vierasouto_cinemaniac
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Cinéma
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Fan de ciné depuis toujours, j'ai créé le blog www.cinemaniac.fr depuis 4 ans + deux blog événementiels "spécial festivals" : Deauville (cinéma américain et film asiatique) www.cinemaniacadeauville.fr et Cannes www.cinemaniacannes.fr.
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07/09/2010 - 18:11
La recrue - La Vie est un test
Parce qu'il soupçonne son père, mort dans un accident d'avion, d'avoir été...
La recrue - La Vie est un test
Parce qu'il soupçonne son père, mort dans un accident d'avion, d'avoir été...
07/09/2010 - 18:11
La recrue - La Vie est un test
Parce qu'il soupçonne son père, mort dans un accident d'avion, d'avoir été agent secret, un jeune informaticien accepte d'être enrôlé dans le camp d'entraînement de la CIA.Etudiant brillant en informatique, consultant chez Dell, James Clayton est abordé un soir dans un bar par Walter Burke, vétéran et formateur de la CIA, qui lui propose de le recruter. Dubitatif, conscient qu'il n'a pas vraiment le profil d'un agent de la CIA, James Clayton accepte l'offre de Burke pour des raisons obscures : il n'a jamais pu faire le deuil de son père, mort tragiquement dans un accident d'avion en 1990, qu'il soupçonne d'avoir mené une double vie.Sous la férule de Burke, Clayton est enrôlé à Langley, le camp d'entraînement de la CIA, appelé encore "The Farm", où il doit faire ses preuves avant d'être engagé définitivement. Devenu rapidement un des meilleurs éléments du camp, Clayton tombe sous le charme d'une autre recrue, la séduisante Layla Moore... Après un test d'endurance drastique où Clayton a échoué, Burke demande son renvoi officiel de Langley, puis le rappelle en secret en tant que NOC (Non Official Cover) pour effectuer une mission à haut risque : démasquer une taupe à l'intérieur de l'agence. James Clayton est alors envoyé à Washington où il revoit Layla en poste à la CIA.Malgré un début un peu laborieux avec une succession de scénettes, on est peu à peu captivé par l'intrigue cheminant crescendo, doublée d'une histoire d'amour condamnée d'avance entre deux aspirants agents secrets, devenus parano après le camp, soupçonnant tout et rien l'un chez l'autre. Le film joue sur les faux-semblants, sur la vérité telle qu'on la perçoit, telle qu'on veut bien la percevoir, sur les conséquences du mensonge synonyme de trahison : le père de James Clayton était-il agent secret ou cadre chez Shell? Layla Moore est-elle un agent double? Et cela a-t-il vraiment de l'importance de le savoir? Dans les deux cas de figure, Edward Clayton aimait son fils, Layla Moore est amoureuse de James, la vérité c'est cela aussi. Autre axe du film : l'entraînement, le dépassement de soi, les tests inhumains dans le camp d'entraînement, "Everything is a test" professe Walter Burke, la vie est un test.Interprétant un vétéran de la CIA, Al Pacino est égal à lui-même, taciturne, opaque, la tête lourde de trop de solitude et de secrets, CIA oblige, mais le rôle ne lui en demande pas beaucoup, l'ère Pacino du Nouvel Hollywood est derrière lui. Face à lui, le magnifique Colin Farrell, sa musculature parfaite et ses tatouages so sexy quand il frappe contre un sac de boxe, furieux, désespéré, son regard de loup traqué, la relève est assurée.Diffusion sur TV Breizh le lundi 13 sept à 20h40
La recrue - La Vie est un test
Parce qu'il soupçonne son père, mort dans un accident d'avion, d'avoir été agent secret, un jeune informaticien accepte d'être enrôlé dans le camp d'entraînement de la CIA.Etudiant brillant en informatique, consultant chez Dell, James Clayton est abordé un soir dans un bar par Walter Burke, vétéran et formateur de la CIA, qui lui propose de le recruter. Dubitatif, conscient qu'il n'a pas vraiment le profil d'un agent de la CIA, James Clayton accepte l'offre de Burke pour des raisons obscures : il n'a jamais pu faire le deuil de son père, mort tragiquement dans un accident d'avion en 1990, qu'il soupçonne d'avoir mené une double vie.Sous la férule de Burke, Clayton est enrôlé à Langley, le camp d'entraînement de la CIA, appelé encore "The Farm", où il doit faire ses preuves avant d'être engagé définitivement. Devenu rapidement un des meilleurs éléments du camp, Clayton tombe sous le charme d'une autre recrue, la séduisante Layla Moore... Après un test d'endurance drastique où Clayton a échoué, Burke demande son renvoi officiel de Langley, puis le rappelle en secret en tant que NOC (Non Official Cover) pour effectuer une mission à haut risque : démasquer une taupe à l'intérieur de l'agence. James Clayton est alors envoyé à Washington où il revoit Layla en poste à la CIA.Malgré un début un peu laborieux avec une succession de scénettes, on est peu à peu captivé par l'intrigue cheminant crescendo, doublée d'une histoire d'amour condamnée d'avance entre deux aspirants agents secrets, devenus parano après le camp, soupçonnant tout et rien l'un chez l'autre. Le film joue sur les faux-semblants, sur la vérité telle qu'on la perçoit, telle qu'on veut bien la percevoir, sur les conséquences du mensonge synonyme de trahison : le père de James Clayton était-il agent secret ou cadre chez Shell? Layla Moore est-elle un agent double? Et cela a-t-il vraiment de l'importance de le savoir? Dans les deux cas de figure, Edward Clayton aimait son fils, Layla Moore est amoureuse de James, la vérité c'est cela aussi. Autre axe du film : l'entraînement, le dépassement de soi, les tests inhumains dans le camp d'entraînement, "Everything is a test" professe Walter Burke, la vie est un test.Interprétant un vétéran de la CIA, Al Pacino est égal à lui-même, taciturne, opaque, la tête lourde de trop de solitude et de secrets, CIA oblige, mais le rôle ne lui en demande pas beaucoup, l'ère Pacino du Nouvel Hollywood est derrière lui. Face à lui, le magnifique Colin Farrell, sa musculature parfaite et ses tatouages so sexy quand il frappe contre un sac de boxe, furieux, désespéré, son regard de loup traqué, la relève est assurée.Diffusion sur TV Breizh le lundi 13 sept à 20h40
02/09/2010 - 09:57
A bord du Darjeeling Limited - Rail-movie et Odyssée intérieure
Afin de renouer les liens du passé, trois frères, perdus de vue depuis la...
A bord du Darjeeling Limited - Rail-movie et Odyssée intérieure
Afin de renouer les liens du passé, trois frères, perdus de vue depuis la...
02/09/2010 - 09:57
A bord du Darjeeling Limited - Rail-movie et Odyssée intérieure
Afin de renouer les liens du passé, trois frères, perdus de vue depuis la mort de leur père, vont se retrouver pour un délirant voyage initiatique à travers les Indes à bord du train "Darjeeling limited".Film branché et bobo de la seconde génération Coppola avec Roman Coppola aux commandes, son ami Wes Anderson, réalisateur, son cousin Jason Schartzman, co-scénariste et l'un des trois acteurs principaux, les deux autres étant Owen Wilson (habitué de l'écurie Anderson) et un petit nouveau, Adrien Brody. Film à vocation culte, élégamment déjanté, racontant un retour aux sources lors d'un voyage en Inde, patrie de l'itinéraire identitaire par excellence.Trois frères, Francis, Peter et Jack, fâchés depuis la mort de leur père, un an auparavant, décident de faire ensemble un grand périple en train à travers l'Inde afin de renouer les liens familiaux d'autrefois. Dans ce pays mythique, magique, dont ils ignorent tout, c'est rapidement une autre sorte de voyage qui se dessine. De disputes en réconciliations, accumulant les mésaventures et les rencontres improbables, les trois Pieds nickelés s'en vont retrouver leur mère, l'excentrique Patricia, recluse au fin fond de l'Inde dans un couvent. L'originalité de ce film est multiple : d'abord, le choix de la quasi-unité de lieu, le train, ensuite, sous des dehors délirants, parfois aux confins de l'absurde, malgré un décor insolite et un comique de situation destiné à faire rire, le sujet est sérieux, le thème de la quête spirituelle universelle. Enfin, le road-movie en train est la métaphore de l'Odyssée intérieure des personnages.Le film a été tourné en grande majorité dans le désert du Rajasthan. Le train "Darjeeling Limited" se déplaçait sur des rails reliant Jodhpur à Jaisalmer, en passant dans le désert de Thar. Le couvent a été créé dans un ancien pavillon de chasse royal de la luxuriante ville d'Udaipur. Les somptueuses onze valises en cuir orange avec motif animal, personnage du film à part entière, sont des créations sur mesure du maroquinier Louis Vuitton...Cinécinéma Emotion le mardi 7 sept à 20h40
A bord du Darjeeling Limited - Rail-movie et Odyssée intérieure
Afin de renouer les liens du passé, trois frères, perdus de vue depuis la mort de leur père, vont se retrouver pour un délirant voyage initiatique à travers les Indes à bord du train "Darjeeling limited".Film branché et bobo de la seconde génération Coppola avec Roman Coppola aux commandes, son ami Wes Anderson, réalisateur, son cousin Jason Schartzman, co-scénariste et l'un des trois acteurs principaux, les deux autres étant Owen Wilson (habitué de l'écurie Anderson) et un petit nouveau, Adrien Brody. Film à vocation culte, élégamment déjanté, racontant un retour aux sources lors d'un voyage en Inde, patrie de l'itinéraire identitaire par excellence.Trois frères, Francis, Peter et Jack, fâchés depuis la mort de leur père, un an auparavant, décident de faire ensemble un grand périple en train à travers l'Inde afin de renouer les liens familiaux d'autrefois. Dans ce pays mythique, magique, dont ils ignorent tout, c'est rapidement une autre sorte de voyage qui se dessine. De disputes en réconciliations, accumulant les mésaventures et les rencontres improbables, les trois Pieds nickelés s'en vont retrouver leur mère, l'excentrique Patricia, recluse au fin fond de l'Inde dans un couvent. L'originalité de ce film est multiple : d'abord, le choix de la quasi-unité de lieu, le train, ensuite, sous des dehors délirants, parfois aux confins de l'absurde, malgré un décor insolite et un comique de situation destiné à faire rire, le sujet est sérieux, le thème de la quête spirituelle universelle. Enfin, le road-movie en train est la métaphore de l'Odyssée intérieure des personnages.Le film a été tourné en grande majorité dans le désert du Rajasthan. Le train "Darjeeling Limited" se déplaçait sur des rails reliant Jodhpur à Jaisalmer, en passant dans le désert de Thar. Le couvent a été créé dans un ancien pavillon de chasse royal de la luxuriante ville d'Udaipur. Les somptueuses onze valises en cuir orange avec motif animal, personnage du film à part entière, sont des créations sur mesure du maroquinier Louis Vuitton...Cinécinéma Emotion le mardi 7 sept à 20h40
18/08/2010 - 18:15
Le temps d’un été - Harris ou l'éternelle jeunesse
Une sexagénaire agonisante, usée par la maladie, se souvient de son unique...
Le temps d’un été - Harris ou l'éternelle jeunesse
Une sexagénaire agonisante, usée par la maladie, se souvient de son unique...
18/08/2010 - 18:15
Le temps d’un été - Harris ou l'éternelle jeunesse
Une sexagénaire agonisante, usée par la maladie, se souvient de son unique amour, un certain Harris Arden. Ses deux filles, Constance et Nina, qui la veillent, n'en ont jamais entendu parler. Pourtant, d'une certaine manière, cet homme a changé leur vie. Le film opère un va et vient incessant entre le présent de cette femme qui va mourir, à qui son infirmière conseille de se souvenir des meilleurs moments de sa vie, et les flash-backs sur le WE de sa rencontre avec Harris.Quarante-cinq ans auparavant, Ann Grant était arrivée à Newport de New York pour le mariage de Lila, sa meilleure amie. Demoiselle d'honneur, elle est accueillie par Buddy, le frère de Lila, qui est amoureux d'elle. Buddy lui présente Harris, médecin et fils de leur ancien maître d'hôtel dont il prétend que sa soeur l'aime depuis l'enfance. Buddy essaye de convaincre Ann que Lila ne doit pas se marier le lendemain avec un homme qu'elle n'aime pas mais doit épouser Harris. Or, Harris séduit Ann qui ne s'en remettra jamais et Lila, en pleurs, se marie avec Carl, comme prévu.Bien que l'approche de la mort de leur mère réconcilie les deux soeurs en conflit, qu'in extremis Lila, devenue elle aussi une vieille dame, vienne rendre visite à Ann, l'aidant à mettre le passé en perspective, lui permettant de réaliser combien sa famille a également compté pour elle, le récit ne vaut que pour ces incursions dans le passé! Un passé qu'on voudrait bien voir prendre toute la place, tout le film, pour effacer les années comme Ann le rêve sur son lit de mort. Le présent ne supporte pas la comparaison avec le passé embelli, les souvenirs anciens figeant les personnages dans une éternelle jeunesse. Le passé de tous les possibles ploie sous le bilan d'une vie somme de souffrances, des mariages ratés à la carrière avortée de chanteuse.Pendant ce WE magique, Ann chantait pour le mariage de Lila avec l'espoir de devenir célèbre et tout le monde était amoureux d'Harris : Lila, Ann et même Buddy qui s'en défendait, réfugié derrière une passion pour Ann. Ce portrait de séducteur, plus ou moins malgré lui, est brillant, d'autant qu'il est interprété par Patrick Wilson, opaque et irrésistible comme le veut le rôle. Sous des dehors de mélo romantique, le récit est rude, impitoyable sur les illusions perdues qu'on appelle à la rescousse, comme en antidote, pour adoucir l'agonie en replongeant dans le temps des espérances, ainsi, le sourire d'Ann sur son lit de mort appartient à une époque révolue depuis près d'un demi-siècle.Pluie d'actrices hors pair dans ce film aux apparences modestes, sorti directement en DVD en 2007, adapté d'un best-seller de Susan Minot : Glenn Close, Meryl Streep, Vanessa Redgrave, Claire Danes, Toni Collette, qui apportent beaucoup à cette histoire d'amour fou fantôme exhumée du passé fédérant toute une famille en deuil. Les "filles de" sont également de la partie : celle de Meryl Streep, Mamie Gummer, joue son personnage de Lila jeune, la fille de Vanessa Redgrave (Ann), Natasha Richardson, est sa fille Constance dans le film. Diffusion : Cinécinéma Premier (100) et HD (193) mardi 17 aout 20H40
Le temps d’un été - Harris ou l'éternelle jeunesse
Une sexagénaire agonisante, usée par la maladie, se souvient de son unique amour, un certain Harris Arden. Ses deux filles, Constance et Nina, qui la veillent, n'en ont jamais entendu parler. Pourtant, d'une certaine manière, cet homme a changé leur vie. Le film opère un va et vient incessant entre le présent de cette femme qui va mourir, à qui son infirmière conseille de se souvenir des meilleurs moments de sa vie, et les flash-backs sur le WE de sa rencontre avec Harris.Quarante-cinq ans auparavant, Ann Grant était arrivée à Newport de New York pour le mariage de Lila, sa meilleure amie. Demoiselle d'honneur, elle est accueillie par Buddy, le frère de Lila, qui est amoureux d'elle. Buddy lui présente Harris, médecin et fils de leur ancien maître d'hôtel dont il prétend que sa soeur l'aime depuis l'enfance. Buddy essaye de convaincre Ann que Lila ne doit pas se marier le lendemain avec un homme qu'elle n'aime pas mais doit épouser Harris. Or, Harris séduit Ann qui ne s'en remettra jamais et Lila, en pleurs, se marie avec Carl, comme prévu.Bien que l'approche de la mort de leur mère réconcilie les deux soeurs en conflit, qu'in extremis Lila, devenue elle aussi une vieille dame, vienne rendre visite à Ann, l'aidant à mettre le passé en perspective, lui permettant de réaliser combien sa famille a également compté pour elle, le récit ne vaut que pour ces incursions dans le passé! Un passé qu'on voudrait bien voir prendre toute la place, tout le film, pour effacer les années comme Ann le rêve sur son lit de mort. Le présent ne supporte pas la comparaison avec le passé embelli, les souvenirs anciens figeant les personnages dans une éternelle jeunesse. Le passé de tous les possibles ploie sous le bilan d'une vie somme de souffrances, des mariages ratés à la carrière avortée de chanteuse.Pendant ce WE magique, Ann chantait pour le mariage de Lila avec l'espoir de devenir célèbre et tout le monde était amoureux d'Harris : Lila, Ann et même Buddy qui s'en défendait, réfugié derrière une passion pour Ann. Ce portrait de séducteur, plus ou moins malgré lui, est brillant, d'autant qu'il est interprété par Patrick Wilson, opaque et irrésistible comme le veut le rôle. Sous des dehors de mélo romantique, le récit est rude, impitoyable sur les illusions perdues qu'on appelle à la rescousse, comme en antidote, pour adoucir l'agonie en replongeant dans le temps des espérances, ainsi, le sourire d'Ann sur son lit de mort appartient à une époque révolue depuis près d'un demi-siècle.Pluie d'actrices hors pair dans ce film aux apparences modestes, sorti directement en DVD en 2007, adapté d'un best-seller de Susan Minot : Glenn Close, Meryl Streep, Vanessa Redgrave, Claire Danes, Toni Collette, qui apportent beaucoup à cette histoire d'amour fou fantôme exhumée du passé fédérant toute une famille en deuil. Les "filles de" sont également de la partie : celle de Meryl Streep, Mamie Gummer, joue son personnage de Lila jeune, la fille de Vanessa Redgrave (Ann), Natasha Richardson, est sa fille Constance dans le film. Diffusion : Cinécinéma Premier (100) et HD (193) mardi 17 aout 20H40
20/07/2010 - 18:10
Un Monde sans pitié - Désenchantés, années 90
Ce fut le film culte du début des années 90, toute une...
Un Monde sans pitié - Désenchantés, années 90
Ce fut le film culte du début des années 90, toute une...
20/07/2010 - 18:10
Un Monde sans pitié - Désenchantés, années 90
Ce fut le film culte du début des années 90, toute une génération s'identifiant aux personnages. Un film à petit budget sorti discrètement en 1989 avec les moyens du bord dont le succès croissant (1 million d'entrées) a été uniquement le fruit du bouche à oreille. Premier long-métrage d'Eric Rochant, le casting paraît aujourd'hui bien classique alors qu'à l'époque tous ces acteurs étaient parfaitement inconnus du grand public : Hippolyte Girardot, Yvan Attal, Mireille Perrier, ancienne ouvreuse de cinéma.Un glandeur faux étudiant tombe amoureux d'une étoile, une normalienne aussi bûcheuse qu'il est oisif. Une histoire d'amour vouée à l'échec dès le départ démontrant sur un ton léger et subtilement désabusé que la force des sentiments ne surmonte pas tous les obstacles. Hippo, parasite aussi insupportable que séducteur, vit des petits trafics de shit de son frère Xavier avec qui il partage un appartement, incompris de ses parents, traînant son désenchantement dans Paris entre deux parties de poker avec des potes.Hippo est le prototype de l'inadapté social charismatique, un peu bad boy, préoccupé de combines pour en faire le moins possible ; fuyant sa petite amie qu'il maltraite par défaut en refusant de lui répondre au téléphone ou en la faisant venir, puis en s'échappant par la fenêtre. Le décalage des centres d'intérêt entre Hippo et Nathalie, interprète à l'ONU, est le moteur du film. Il ne s'intéresse à rien sauf à une image floue de l'idéal féminin, elle donne la priorité à ses ambitions professionnelles, intellectualise sa relation amoureuse comme tout le reste. Un trentenaire immature et une future executive woman. La relation amoureuse au coeur du récit marche sur cette discordante idée de l'amour/réalité, ou plutôt, y échoue. Hippo fait rêver Nathalie dans la scène culte où il claque des doigts pour que la Tour Eiffel s'allume à minuit depuis la fenêtre de l'appartement de la jeune femme. Mais cette dernière n'a pas l'intention de stopper ses projets pour vivre d'amour et d'eau fraîche quand Hippo, éternel ado, a toute la place vacante dans son absence de vie.Hippolyte Girardot est irrésistible dans ce film qui l'a rendu célèbre du jour au lendemain, on a du mal à imaginer aujourd'hui combien il était sexy. Après "Un Monde sans pitié", Eric Rochant réengagera Yvan Attal, devenu son acteur fétiche, dans son film suivant "Aux Yeux du monde", puis "Les Patriotes" (excellent film d'espionnage) : mais le ton a changé, ce sont des films beaucoup plus ambitieux qui n'auront pas le même succès. Un "Monde sans pitié" obtient le prix Louis Delluc et deux Césars (meilleure première œuvre et meilleur espoir masculin pour Yvan Attal). Etrangement, Hippolyte Girardot comme Eric Rochant, malgré ces débuts en fanfare, ont connu par la suite chacun des carrières chaotiques, le monde est sans pitié.Difffusion sur Cinécinéma Star (104 dimanche 25 juillet 20H40
Un Monde sans pitié - Désenchantés, années 90
Ce fut le film culte du début des années 90, toute une génération s'identifiant aux personnages. Un film à petit budget sorti discrètement en 1989 avec les moyens du bord dont le succès croissant (1 million d'entrées) a été uniquement le fruit du bouche à oreille. Premier long-métrage d'Eric Rochant, le casting paraît aujourd'hui bien classique alors qu'à l'époque tous ces acteurs étaient parfaitement inconnus du grand public : Hippolyte Girardot, Yvan Attal, Mireille Perrier, ancienne ouvreuse de cinéma.Un glandeur faux étudiant tombe amoureux d'une étoile, une normalienne aussi bûcheuse qu'il est oisif. Une histoire d'amour vouée à l'échec dès le départ démontrant sur un ton léger et subtilement désabusé que la force des sentiments ne surmonte pas tous les obstacles. Hippo, parasite aussi insupportable que séducteur, vit des petits trafics de shit de son frère Xavier avec qui il partage un appartement, incompris de ses parents, traînant son désenchantement dans Paris entre deux parties de poker avec des potes.Hippo est le prototype de l'inadapté social charismatique, un peu bad boy, préoccupé de combines pour en faire le moins possible ; fuyant sa petite amie qu'il maltraite par défaut en refusant de lui répondre au téléphone ou en la faisant venir, puis en s'échappant par la fenêtre. Le décalage des centres d'intérêt entre Hippo et Nathalie, interprète à l'ONU, est le moteur du film. Il ne s'intéresse à rien sauf à une image floue de l'idéal féminin, elle donne la priorité à ses ambitions professionnelles, intellectualise sa relation amoureuse comme tout le reste. Un trentenaire immature et une future executive woman. La relation amoureuse au coeur du récit marche sur cette discordante idée de l'amour/réalité, ou plutôt, y échoue. Hippo fait rêver Nathalie dans la scène culte où il claque des doigts pour que la Tour Eiffel s'allume à minuit depuis la fenêtre de l'appartement de la jeune femme. Mais cette dernière n'a pas l'intention de stopper ses projets pour vivre d'amour et d'eau fraîche quand Hippo, éternel ado, a toute la place vacante dans son absence de vie.Hippolyte Girardot est irrésistible dans ce film qui l'a rendu célèbre du jour au lendemain, on a du mal à imaginer aujourd'hui combien il était sexy. Après "Un Monde sans pitié", Eric Rochant réengagera Yvan Attal, devenu son acteur fétiche, dans son film suivant "Aux Yeux du monde", puis "Les Patriotes" (excellent film d'espionnage) : mais le ton a changé, ce sont des films beaucoup plus ambitieux qui n'auront pas le même succès. Un "Monde sans pitié" obtient le prix Louis Delluc et deux Césars (meilleure première œuvre et meilleur espoir masculin pour Yvan Attal). Etrangement, Hippolyte Girardot comme Eric Rochant, malgré ces débuts en fanfare, ont connu par la suite chacun des carrières chaotiques, le monde est sans pitié.Difffusion sur Cinécinéma Star (104 dimanche 25 juillet 20H40
07/07/2010 - 09:54
Jeux de dupes- Les 2 visages de George Clooney
George Clooney, le réalisateur, aime écrire des pages de l'histoire de...
Jeux de dupes- Les 2 visages de George Clooney
George Clooney, le réalisateur, aime écrire des pages de l'histoire de...
07/07/2010 - 09:54
Jeux de dupes- Les 2 visages de George Clooney
George Clooney, le réalisateur, aime écrire des pages de l'histoire de l'Amérique : après "Confessions d'un homme dangereux" (2002) sur les seventies et "Good night, good luck" (2006) sur les fifties, il remonte encore le temps avec "Jeux de dupes" (2008) en s'attelant à la fin des années 20. Ici, c'est sur le mode de la comédie romantique qu'il traite d'un sujet encore d'actualité : la professionnalisation du football américain. Ce qui n'exclue pas la nostalgie d'une époque révolue où le football ne rimait pas avec dollars, où la prohibition donnait l'occasion de fréquenter des bouges festifs pour consommer clandestinement de l'alcool.En 1925, le football américain démarre dans la désorganisation et n'attire pas les foules. Brutal, violent, sans règles, tous les coups sont permis pour gagner. Dodge Connelly, le capitaine des Bulldogs, un passionné qui a passé l'âge d'être sur le terrain, se met en tête de booster son équipe, sur le point d'être dissoute, en engageant un jeune prodige, héros de guerre de surcroît, Carter Rutherford dit "Le Bolide". Pour le convaincre, il faut de l'argent et c'est la première étape vers la professionnalisation du football, un actionnaire du club va payer Carter pour ses prestations. Pendant ce temps, un journal local mijote une contre-offensive en préparant un dossier qui va déboulonner Carter de son statut de héros. Pour cela, la rédaction dépêche sa meilleure journaliste, l'insolente Lexie Littleton, suivre les matches en tant que reporter sportif. Bien évidemment, Lexie va craquer pour les deux hommes, Dodge et Carter, et réciproquement, ce qui va différer la parution de son article.Il y a deux parties dans ce film comme il y a deux visages de Clooney. La première partie, très pimpante, sur le terrain, matches où Clooney semble ravi de porter ce casque en cuir peu seyant, la démarche pataude, le regard borné, et de se vautrer dans la boue. La seconde partie beaucoup plus lente et diluée avec les conséquences de la parution de l'article de Lexie salissant la réputation de Carter. Une succession de scènes bavardes et la priorité donnée à la reconstitution scrupuleuse de l'antichambre des années 30, décors, costumes... Ici, on retrouve Clooney, le séducteur, élégant, cheveux soigneusement lissés, oeil de velours. Avant un final sur le terrain où l'introduction d'une instance nationale du football et d'un règlement désarçonne les joueurs et désole les anciens amateurs de football.Acteur et réalisateur de "Jeux de dupes", George Clooney, lui-même dans le surjeu, a choisi pour lui donner la réplique l'actrice Renée Zellweger qui en fait des tonnes, un couple dans la veine des grandes comédies américaines Hollywoodiennes telles qu'il les perçoit... Mais la star semble si concernée par la recherche du temps perdu, fils d'un journaliste et autrefois joueur de base-ball, qu'on en déduit qu'il en rajoute dans le comique lourd pour compenser la mélancolie sous-jacente du récit.Diffusion sur CinéCinéma Premier mercredi 7 juillet à 20h40.
Jeux de dupes- Les 2 visages de George Clooney
George Clooney, le réalisateur, aime écrire des pages de l'histoire de l'Amérique : après "Confessions d'un homme dangereux" (2002) sur les seventies et "Good night, good luck" (2006) sur les fifties, il remonte encore le temps avec "Jeux de dupes" (2008) en s'attelant à la fin des années 20. Ici, c'est sur le mode de la comédie romantique qu'il traite d'un sujet encore d'actualité : la professionnalisation du football américain. Ce qui n'exclue pas la nostalgie d'une époque révolue où le football ne rimait pas avec dollars, où la prohibition donnait l'occasion de fréquenter des bouges festifs pour consommer clandestinement de l'alcool.En 1925, le football américain démarre dans la désorganisation et n'attire pas les foules. Brutal, violent, sans règles, tous les coups sont permis pour gagner. Dodge Connelly, le capitaine des Bulldogs, un passionné qui a passé l'âge d'être sur le terrain, se met en tête de booster son équipe, sur le point d'être dissoute, en engageant un jeune prodige, héros de guerre de surcroît, Carter Rutherford dit "Le Bolide". Pour le convaincre, il faut de l'argent et c'est la première étape vers la professionnalisation du football, un actionnaire du club va payer Carter pour ses prestations. Pendant ce temps, un journal local mijote une contre-offensive en préparant un dossier qui va déboulonner Carter de son statut de héros. Pour cela, la rédaction dépêche sa meilleure journaliste, l'insolente Lexie Littleton, suivre les matches en tant que reporter sportif. Bien évidemment, Lexie va craquer pour les deux hommes, Dodge et Carter, et réciproquement, ce qui va différer la parution de son article.Il y a deux parties dans ce film comme il y a deux visages de Clooney. La première partie, très pimpante, sur le terrain, matches où Clooney semble ravi de porter ce casque en cuir peu seyant, la démarche pataude, le regard borné, et de se vautrer dans la boue. La seconde partie beaucoup plus lente et diluée avec les conséquences de la parution de l'article de Lexie salissant la réputation de Carter. Une succession de scènes bavardes et la priorité donnée à la reconstitution scrupuleuse de l'antichambre des années 30, décors, costumes... Ici, on retrouve Clooney, le séducteur, élégant, cheveux soigneusement lissés, oeil de velours. Avant un final sur le terrain où l'introduction d'une instance nationale du football et d'un règlement désarçonne les joueurs et désole les anciens amateurs de football.Acteur et réalisateur de "Jeux de dupes", George Clooney, lui-même dans le surjeu, a choisi pour lui donner la réplique l'actrice Renée Zellweger qui en fait des tonnes, un couple dans la veine des grandes comédies américaines Hollywoodiennes telles qu'il les perçoit... Mais la star semble si concernée par la recherche du temps perdu, fils d'un journaliste et autrefois joueur de base-ball, qu'on en déduit qu'il en rajoute dans le comique lourd pour compenser la mélancolie sous-jacente du récit.Diffusion sur CinéCinéma Premier mercredi 7 juillet à 20h40.
16/06/2010 - 17:46
Le séminaire - Tout le monde il est coaché
Pour ceux qui n'auraient jamais vu la mini-série "Caméra café" imaginée en...
Le séminaire - Tout le monde il est coaché
Pour ceux qui n'auraient jamais vu la mini-série "Caméra café" imaginée en...
16/06/2010 - 17:46
Le séminaire - Tout le monde il est coaché
Pour ceux qui n'auraient jamais vu la mini-série "Caméra café" imaginée en 2001 par Bruno Solo et Yvan Le Bolloch, ce "Séminaire" peut surprendre tant ce film est peu cinématographique : décors d'une simplicité de spectacle de fin d'année, scénario squelettique, interprétation hyper-théâtrale. C'est que le propos du film est ailleurs... D'une part, il s'agit de conserver les ingrédients qui ont fait le succès de "Caméra café", duo/duel Bruno Solo/Yvan Le Bolloch, satire sociale du monde de l'entreprise, en les intégrant dans un long-métrage plus ou moins crédible question mise en scène. D'autre part, la dimension sociale est creusée en traitant d'un sujet d'actualité impitoyable : une charrette d'employés partis faire un stage de motivation en ignorant qu'ils vont être virés de leur entreprise. Cependant, à la différence des films de Jean Yanne à la dynamite pour tous auxquels on serait tenté de le comparer, comme "Tout le monde il est gentil" (1972) ou "Moi y'en a vouloir des sous" (1973), "Le Séminaire" dénonce les maltraitances dans l'entreprise et prend la défense des salariés. La société Geugène installée dans une province imaginaire et découverte dans "Espace Détente", a pris, comme tout le monde, la crise de plein fouet. Pour en sortir, six employés sont envoyés à Paris faire un stage de management "Team building intensive" afin de recréer de la communication entre eux. Trois jours à Paris où des liens vont se nouer entre six personnages archétypaux (le PDG, la secrétaire, la femme enceinte, le gay, le commercial beauf et le délégué syndical) en dehors de l'entreprise... L'occasion pour Jean-Guy, le patron psychorigide, d'apprécier Jeanne, sa secrétaire, lors d'un dîner en péniche sur la Seine ; l'occasion pour Jean-Claude, le frimeur féru de voitures de luxe, jeté dehors par son épouse après qu'il ait tenté de mettre le feu à leur maison pour toucher la prime d'assurance, de la retrouver ; l'occasion pour Hervé, le délégué syndical surfant sur la duplicité, copain de Jean-Claude qu'il héberge, d'avoir une liaison avec Clémentine, l'assistante du coach manager, elle-même exploitée par son patron ; l'occasion pour Maeva, sur le point d'accoucher, de trouver en Philippe, le créatif homosexuel de l'entreprise, un père adoptif pour son enfant."Le Séminaire" réalisé en 2009 est le second film concocté par Bruno Solo et Yvan Le Bolloch d'après "Caméra café" après "Espace détente" en 2004. Plaidoyer contre la mondialisation, les délocalisations, le management à l'américaine couvrant hypocritement les licenciements en entreprise, ce film ambitieux sur le fond conserve volontairement dans sa forme une dimension artisanale de successions de sketches et de gags plus ou moins réussis. Le grand problème du film c'est qu'au lieu que les personnages soient au service du sujet, c'est le contraire qui se produit, le sujet pourtant très fort sert de toile de fond aux gags et aventures de l'entreprise aux commandes de ce "Séminaire Caméra Café" : le tandem Bruno Solo et Yvan Le Bolloch. Diffusion sur TPS Star (canal15) le dimanche 20 juin à 20h40
Le séminaire - Tout le monde il est coaché
Pour ceux qui n'auraient jamais vu la mini-série "Caméra café" imaginée en 2001 par Bruno Solo et Yvan Le Bolloch, ce "Séminaire" peut surprendre tant ce film est peu cinématographique : décors d'une simplicité de spectacle de fin d'année, scénario squelettique, interprétation hyper-théâtrale. C'est que le propos du film est ailleurs... D'une part, il s'agit de conserver les ingrédients qui ont fait le succès de "Caméra café", duo/duel Bruno Solo/Yvan Le Bolloch, satire sociale du monde de l'entreprise, en les intégrant dans un long-métrage plus ou moins crédible question mise en scène. D'autre part, la dimension sociale est creusée en traitant d'un sujet d'actualité impitoyable : une charrette d'employés partis faire un stage de motivation en ignorant qu'ils vont être virés de leur entreprise. Cependant, à la différence des films de Jean Yanne à la dynamite pour tous auxquels on serait tenté de le comparer, comme "Tout le monde il est gentil" (1972) ou "Moi y'en a vouloir des sous" (1973), "Le Séminaire" dénonce les maltraitances dans l'entreprise et prend la défense des salariés. La société Geugène installée dans une province imaginaire et découverte dans "Espace Détente", a pris, comme tout le monde, la crise de plein fouet. Pour en sortir, six employés sont envoyés à Paris faire un stage de management "Team building intensive" afin de recréer de la communication entre eux. Trois jours à Paris où des liens vont se nouer entre six personnages archétypaux (le PDG, la secrétaire, la femme enceinte, le gay, le commercial beauf et le délégué syndical) en dehors de l'entreprise... L'occasion pour Jean-Guy, le patron psychorigide, d'apprécier Jeanne, sa secrétaire, lors d'un dîner en péniche sur la Seine ; l'occasion pour Jean-Claude, le frimeur féru de voitures de luxe, jeté dehors par son épouse après qu'il ait tenté de mettre le feu à leur maison pour toucher la prime d'assurance, de la retrouver ; l'occasion pour Hervé, le délégué syndical surfant sur la duplicité, copain de Jean-Claude qu'il héberge, d'avoir une liaison avec Clémentine, l'assistante du coach manager, elle-même exploitée par son patron ; l'occasion pour Maeva, sur le point d'accoucher, de trouver en Philippe, le créatif homosexuel de l'entreprise, un père adoptif pour son enfant."Le Séminaire" réalisé en 2009 est le second film concocté par Bruno Solo et Yvan Le Bolloch d'après "Caméra café" après "Espace détente" en 2004. Plaidoyer contre la mondialisation, les délocalisations, le management à l'américaine couvrant hypocritement les licenciements en entreprise, ce film ambitieux sur le fond conserve volontairement dans sa forme une dimension artisanale de successions de sketches et de gags plus ou moins réussis. Le grand problème du film c'est qu'au lieu que les personnages soient au service du sujet, c'est le contraire qui se produit, le sujet pourtant très fort sert de toile de fond aux gags et aventures de l'entreprise aux commandes de ce "Séminaire Caméra Café" : le tandem Bruno Solo et Yvan Le Bolloch. Diffusion sur TPS Star (canal15) le dimanche 20 juin à 20h40
08/06/2010 - 11:19
Juno – Lorsque l’enfant parait
Second film de Jason Reitman après l'acide "Thank you for smoking", "Juno"...
Juno – Lorsque l’enfant parait
Second film de Jason Reitman après l'acide "Thank you for smoking", "Juno"...
08/06/2010 - 11:19
Juno – Lorsque l’enfant parait
Second film de Jason Reitman après l'acide "Thank you for smoking", "Juno" s'inscrit dans la veine d'un cinéma indépendant à visée grand public. En engageant l'ancienne strip-teaseuse et écrivain Diablo Cody, devenue depuis le succès de "Juno" une scénariste en vogue, le réalisateur était assuré de trouver un ton qui allait dépoussiérer la comédie dramatique et le film d'ado. D'autant que l'actrice principale, la canadienne Ellen Page, révélée par "Hard Candy", est une surdouée comme on en rencontre rarement. Elle obtiendra d'ailleurs une nomination méritée aux Oscar pour ce rôle. Juno Mc Guff, écolière de 16 ans dans une petite ville du Middle west américain, est une anti-conformiste à sa manière. Au lieu de passer son temps au centre commercial ou sur internet comme ses copines, un jour où elle s'ennuie, elle couche avec Paulie Bleeker, un camarade de classe pas séducteur pour deux sous... Possible même qu'elle veuille lui rendre le service de le dépuceler. Catastrophe, Juno est enceinte! Premier accroc au schéma de la pauvre ado séduite et abandonnée par un salaud. Second parti pris tournant le dos aux clichés, les parents de Juno, loin de la rejeter, vont l'aider, même si leur première réaction est de lui dire qu'ils auraient préféré qu'elle se drogue... Le copain de classe, devenu soudainement géniteur, et la meilleure amie de Juno, Leah, pulpeuse chef des PomPom girls, vont eux aussi l'entourer dans l'épreuve. On a donc désamorcé tous les ressorts du mélo sans pour autant foncer vers la comédie franche, car le film essaye de coller à la réalité, dialogues naturels, personnages pas manichéens, héroïne pas trop belle et habillée comme un sac. Juno décide de chercher une famille adoptive idéale pour son futur enfant qu'elle déniche par les petites annonces du journal local. Ainsi, Juno fait connaissance de Mark et Vanessa Loring, couple lisse, gentil mais coincé qui rêve d'adopter un enfant. C'est à ce moment-là que Juno va perdre ses certitudes et le film basculer par petites touches vers la comédie dramatique : tandis que le terme de sa grossesse approche, confrontée à la réalité de porter un enfant qu'elle va devoir céder aux Loring, des rapports complexes vont s'installer avec la future famille adoptive, des états d'âme faire surface. Juno, s'attachant petit à petit à Vanessa, va devoir faire preuve de courage et de maturité pour conserver son libre-arbitre. Fable sur la remise en question des préjugés, tant chez le spectateur qui attendait une histoire convenue qu'au sein du récit, où l'entourage de Juno va revoir sa copie et se révéler face à la grossesse inopinée d'une adolescente obligée d'être mère avant d'avoir été une femme, ce film a connu un immense succès. Ce qui prouve que le spectateur attend, comme dans "Little Miss Sushine", qu'on lui propose des comédies intelligentes et sensibles, loin des archétypes et de schémas rabâchés, traitant de manière ludique des sujets proches de la réalité contemporaine. Diffusion sur Cinécinéma Premier (canal 100 et HD 193) mercredi 9 juin 2010 à 20h40.
Juno – Lorsque l’enfant parait
Second film de Jason Reitman après l'acide "Thank you for smoking", "Juno" s'inscrit dans la veine d'un cinéma indépendant à visée grand public. En engageant l'ancienne strip-teaseuse et écrivain Diablo Cody, devenue depuis le succès de "Juno" une scénariste en vogue, le réalisateur était assuré de trouver un ton qui allait dépoussiérer la comédie dramatique et le film d'ado. D'autant que l'actrice principale, la canadienne Ellen Page, révélée par "Hard Candy", est une surdouée comme on en rencontre rarement. Elle obtiendra d'ailleurs une nomination méritée aux Oscar pour ce rôle. Juno Mc Guff, écolière de 16 ans dans une petite ville du Middle west américain, est une anti-conformiste à sa manière. Au lieu de passer son temps au centre commercial ou sur internet comme ses copines, un jour où elle s'ennuie, elle couche avec Paulie Bleeker, un camarade de classe pas séducteur pour deux sous... Possible même qu'elle veuille lui rendre le service de le dépuceler. Catastrophe, Juno est enceinte! Premier accroc au schéma de la pauvre ado séduite et abandonnée par un salaud. Second parti pris tournant le dos aux clichés, les parents de Juno, loin de la rejeter, vont l'aider, même si leur première réaction est de lui dire qu'ils auraient préféré qu'elle se drogue... Le copain de classe, devenu soudainement géniteur, et la meilleure amie de Juno, Leah, pulpeuse chef des PomPom girls, vont eux aussi l'entourer dans l'épreuve. On a donc désamorcé tous les ressorts du mélo sans pour autant foncer vers la comédie franche, car le film essaye de coller à la réalité, dialogues naturels, personnages pas manichéens, héroïne pas trop belle et habillée comme un sac. Juno décide de chercher une famille adoptive idéale pour son futur enfant qu'elle déniche par les petites annonces du journal local. Ainsi, Juno fait connaissance de Mark et Vanessa Loring, couple lisse, gentil mais coincé qui rêve d'adopter un enfant. C'est à ce moment-là que Juno va perdre ses certitudes et le film basculer par petites touches vers la comédie dramatique : tandis que le terme de sa grossesse approche, confrontée à la réalité de porter un enfant qu'elle va devoir céder aux Loring, des rapports complexes vont s'installer avec la future famille adoptive, des états d'âme faire surface. Juno, s'attachant petit à petit à Vanessa, va devoir faire preuve de courage et de maturité pour conserver son libre-arbitre. Fable sur la remise en question des préjugés, tant chez le spectateur qui attendait une histoire convenue qu'au sein du récit, où l'entourage de Juno va revoir sa copie et se révéler face à la grossesse inopinée d'une adolescente obligée d'être mère avant d'avoir été une femme, ce film a connu un immense succès. Ce qui prouve que le spectateur attend, comme dans "Little Miss Sushine", qu'on lui propose des comédies intelligentes et sensibles, loin des archétypes et de schémas rabâchés, traitant de manière ludique des sujets proches de la réalité contemporaine. Diffusion sur Cinécinéma Premier (canal 100 et HD 193) mercredi 9 juin 2010 à 20h40.
01/06/2010 - 11:11
Là-haut – Une autre vie, une autre chance
"Up" ("Là-haut"), film d'ouverture du festival de Cannes en 2008, a séduit...
Là-haut – Une autre vie, une autre chance
"Up" ("Là-haut"), film d'ouverture du festival de Cannes en 2008, a séduit...
01/06/2010 - 11:11
Là-haut – Une autre vie, une autre chance
"Up" ("Là-haut"), film d'ouverture du festival de Cannes en 2008, a séduit immédiatement les festivaliers d'autant que c'était un des premiers films présentés en 3D, le public chic ravi de chausser des horribles lunettes en plastique sur ses tenues de gala...Après "Wall-E", le petit robot ramassant les détritus sur une terre devenue inhabitable et inhabitée, film exceptionnel tant sur le fond que sur la forme, Pixar poursuit son chemin avec "Up", moins ambitieux, moins engagé, mais presque aussi agréable à regarder... Un point commun mine de rien entre les deux films : l'ode à la nature.Pourtant, le point de départ est lourd, un vieil homme grincheux, au crépuscule de son existence terrestre, qui se souvient de sa vie, des années de bonheur avec son épouse disparue dont on voit le portrait sur les murs de sa maison... Mais le vieil homme s'octroie une dernière chance de vivre au présent en réalisant son rêve : menacé d'expulsion, il va voyager avec sa maison transformée en ballon dirigeable, s'envolant pour les régions sauvages de l'Amérique du sud. Un petit garçon de 8 ans, à qui le vieil homme refusait d'ouvrir sa porte, est emmené par hasard comme passager clandestin, considéré d'abord comme un imposteur qui va perturber le voyage tant attendu. Tout comme le vieil homme, le jeune scout a un passé lourd, si le premier est ronchon, le second trop bavard, jacassant, c'est peut-être le miroir du petit garçon qu'il aurait aimé être autrefois.Cette idée qu'on a tous une seconde chance est plus américaine qu'européenne, bien qu'on soit loin de l'optimisme béat, la symbolique d'avancer en portant sa maison sur le dos, sa vie, son passé, est une idée de la sagesse présentée de manière ludique. Le voyage de Carl Fredricksen représente la consolation d'une vie vécue comme une somme d'attentes, de frustrations, de chagrins, de rêves envolés... La morale du film est à la fois qu'on porte son passé comme un fardeau mais qu'on peut l'alléger en s'envolant avec lui car il n'est jamais trop tard pour réaliser ses désirs.Un film fourmillant d'idées comme celle de la maison s'élevant dans le ciel parce que suspendue à un impressionnant bouquet de ballons multicolores gonflés à l'hélium. Ce sont toutes ces trouvailles joyeuses, naïves, poétiques, qui donnent le sourire malgré le scénario nostalgique, le récit évoluant subtilement vers le film d'aventure. En pratique, ce sont 10 927 ballons qui ont été attachés à la maison de Carl, les animateurs s'étant inspiré de l'acteur Spencer Tracy pour modeler les traits du vieil homme. S'il est osé de prendre pour héros un septuagénaire veuf inconsolable et un petit garçon grassouillet, cela l'est encore davantage de traiter de la vieillesse et du deuil dans un film d'animation, comme d'habitude, Pixar ose tout et vise juste. Sur Disney Cinemagic (canal 112) le vendredi 4 juin à 20h30
Là-haut – Une autre vie, une autre chance
"Up" ("Là-haut"), film d'ouverture du festival de Cannes en 2008, a séduit immédiatement les festivaliers d'autant que c'était un des premiers films présentés en 3D, le public chic ravi de chausser des horribles lunettes en plastique sur ses tenues de gala...Après "Wall-E", le petit robot ramassant les détritus sur une terre devenue inhabitable et inhabitée, film exceptionnel tant sur le fond que sur la forme, Pixar poursuit son chemin avec "Up", moins ambitieux, moins engagé, mais presque aussi agréable à regarder... Un point commun mine de rien entre les deux films : l'ode à la nature.Pourtant, le point de départ est lourd, un vieil homme grincheux, au crépuscule de son existence terrestre, qui se souvient de sa vie, des années de bonheur avec son épouse disparue dont on voit le portrait sur les murs de sa maison... Mais le vieil homme s'octroie une dernière chance de vivre au présent en réalisant son rêve : menacé d'expulsion, il va voyager avec sa maison transformée en ballon dirigeable, s'envolant pour les régions sauvages de l'Amérique du sud. Un petit garçon de 8 ans, à qui le vieil homme refusait d'ouvrir sa porte, est emmené par hasard comme passager clandestin, considéré d'abord comme un imposteur qui va perturber le voyage tant attendu. Tout comme le vieil homme, le jeune scout a un passé lourd, si le premier est ronchon, le second trop bavard, jacassant, c'est peut-être le miroir du petit garçon qu'il aurait aimé être autrefois.Cette idée qu'on a tous une seconde chance est plus américaine qu'européenne, bien qu'on soit loin de l'optimisme béat, la symbolique d'avancer en portant sa maison sur le dos, sa vie, son passé, est une idée de la sagesse présentée de manière ludique. Le voyage de Carl Fredricksen représente la consolation d'une vie vécue comme une somme d'attentes, de frustrations, de chagrins, de rêves envolés... La morale du film est à la fois qu'on porte son passé comme un fardeau mais qu'on peut l'alléger en s'envolant avec lui car il n'est jamais trop tard pour réaliser ses désirs.Un film fourmillant d'idées comme celle de la maison s'élevant dans le ciel parce que suspendue à un impressionnant bouquet de ballons multicolores gonflés à l'hélium. Ce sont toutes ces trouvailles joyeuses, naïves, poétiques, qui donnent le sourire malgré le scénario nostalgique, le récit évoluant subtilement vers le film d'aventure. En pratique, ce sont 10 927 ballons qui ont été attachés à la maison de Carl, les animateurs s'étant inspiré de l'acteur Spencer Tracy pour modeler les traits du vieil homme. S'il est osé de prendre pour héros un septuagénaire veuf inconsolable et un petit garçon grassouillet, cela l'est encore davantage de traiter de la vieillesse et du deuil dans un film d'animation, comme d'habitude, Pixar ose tout et vise juste. Sur Disney Cinemagic (canal 112) le vendredi 4 juin à 20h30
19/05/2010 - 11:22
Le rêve de Cassandre – Le prix de l’ascenseur social
Sans doute un peu lassé de mettre inlassablement en scène sa ville de...
Le rêve de Cassandre – Le prix de l’ascenseur social
Sans doute un peu lassé de mettre inlassablement en scène sa ville de...
19/05/2010 - 11:22
Le rêve de Cassandre – Le prix de l’ascenseur social
Sans doute un peu lassé de mettre inlassablement en scène sa ville de New-York, "Le Rêve de Cassandre" est le troisième film qu'a tourné Woody Allen à Londres après "Match Point" et "Scoop". Il enchaînera ensuite en Espagne avec une comédie, "Vicky Cristina Barcelona". Deux frères, Terry et Ian, décident d'acheter un voilier dont ils n'ont pas le premier sou. Leur mère faisant planer depuis toujours le spectre de la fortune de l'oncle Howard, son frère milliardaire, comme une manne providentielle, ils empruntent de l'argent pour acheter ce bateau tout en espérant l'aide de leur oncle. Car Terry, employé dans un garage, est criblé de dettes. Ian, plus doué intellectuellement, lui, est contraint d'aider son père dans le restaurant familial tout en rêvant d'un destin d'homme d'affaires comme celui de l'oncle Howard. Un facteur extérieur va précipiter le drame. Ian tombe amoureux d'Angela, une jeune femme dévorée d'ambition qu'il faut éblouir avec les voitures du garage de Terry. Puis, il se met en tête de l'emmener faire carrière à Hollywood où l'oncle Howard possède une chaîne de cliniques de chirurgie esthétique et joue au golf avec des riches producteurs. De passage à Londres, l'oncle Howard, installé dans un palace, la famille se presse pour lui souhaiter la bienvenue. Sa soeur ébahie, servile, ses neveux, Terry et Ian, qu'il accepte d'aider en échange d'un petit service : le débarrasser d'un gêneur. Tout comme "Match point", "Le Rêve de Cassandre" est un film sombre sur les affres de la promotion sociale. Pire, un cauchemar, une tragédie grecque contemporaine, l'inéluctable étant le moteur des événements où nul n'a le choix de faire autrement que d'aller en enfer et y entraîner les autres. Le voilier bien nommé "Le Rêve de Cassandre", acquis sur un coup de tête, est le signe annonciateur du malheur que cet achat va provoquer, en référence à la Cassandre de la mythologie grecque, prophétesse grecque condamnée à ne pas être crue. En filigrane, la dimension psychologique, les deux frères tiennent leur faiblesse et la perversion de leur échelle des valeurs du conditionnement maternel. Le comportement invalidant de leur mère, reprochant depuis leur enfance à son mari, leur père, de ne pas gagner assez d'argent, lui opposant invariablement la réussite de son frère, assimilé à l'homme idéal, a abouti à fabriquer deux adultes irresponsables vivant avec le fantasme de l'assistance de l'oncle Howard. "Le Rêve de Cassandre" est un film excellent, apparemment atypique dans l'oeuvre de Woody Allen alors qu'il correspond au pessimisme profond d'un réalisateur aux 39 films dont on a surtout retenu les comédies. Le choix de Colin Farrell et Ewan Mc Gregor dans le rôle des deux frères donne un solide coup de neuf au casting. Le dernier film de Woody Allen, "You will meet a tall dark stranger", qui vient d'être présenté hors compétition au 63° festival de Cannes, illustre cette ambigüité, comédie amère au titre lourd, à double sens, évoquant à la fois la rencontre amoureuse et la mort. Diffusion : sur TPS Star (canal 15) le dimanche 23 mai 2010 à 20h40. Autres diffusions sur CinéCinéma Premier (canal 100) le mardi 18 mai à 4h05, le mercredi 19 mai à 1h40, le jeudi 20 mai à 17h55.
Le rêve de Cassandre – Le prix de l’ascenseur social
Sans doute un peu lassé de mettre inlassablement en scène sa ville de New-York, "Le Rêve de Cassandre" est le troisième film qu'a tourné Woody Allen à Londres après "Match Point" et "Scoop". Il enchaînera ensuite en Espagne avec une comédie, "Vicky Cristina Barcelona". Deux frères, Terry et Ian, décident d'acheter un voilier dont ils n'ont pas le premier sou. Leur mère faisant planer depuis toujours le spectre de la fortune de l'oncle Howard, son frère milliardaire, comme une manne providentielle, ils empruntent de l'argent pour acheter ce bateau tout en espérant l'aide de leur oncle. Car Terry, employé dans un garage, est criblé de dettes. Ian, plus doué intellectuellement, lui, est contraint d'aider son père dans le restaurant familial tout en rêvant d'un destin d'homme d'affaires comme celui de l'oncle Howard. Un facteur extérieur va précipiter le drame. Ian tombe amoureux d'Angela, une jeune femme dévorée d'ambition qu'il faut éblouir avec les voitures du garage de Terry. Puis, il se met en tête de l'emmener faire carrière à Hollywood où l'oncle Howard possède une chaîne de cliniques de chirurgie esthétique et joue au golf avec des riches producteurs. De passage à Londres, l'oncle Howard, installé dans un palace, la famille se presse pour lui souhaiter la bienvenue. Sa soeur ébahie, servile, ses neveux, Terry et Ian, qu'il accepte d'aider en échange d'un petit service : le débarrasser d'un gêneur. Tout comme "Match point", "Le Rêve de Cassandre" est un film sombre sur les affres de la promotion sociale. Pire, un cauchemar, une tragédie grecque contemporaine, l'inéluctable étant le moteur des événements où nul n'a le choix de faire autrement que d'aller en enfer et y entraîner les autres. Le voilier bien nommé "Le Rêve de Cassandre", acquis sur un coup de tête, est le signe annonciateur du malheur que cet achat va provoquer, en référence à la Cassandre de la mythologie grecque, prophétesse grecque condamnée à ne pas être crue. En filigrane, la dimension psychologique, les deux frères tiennent leur faiblesse et la perversion de leur échelle des valeurs du conditionnement maternel. Le comportement invalidant de leur mère, reprochant depuis leur enfance à son mari, leur père, de ne pas gagner assez d'argent, lui opposant invariablement la réussite de son frère, assimilé à l'homme idéal, a abouti à fabriquer deux adultes irresponsables vivant avec le fantasme de l'assistance de l'oncle Howard. "Le Rêve de Cassandre" est un film excellent, apparemment atypique dans l'oeuvre de Woody Allen alors qu'il correspond au pessimisme profond d'un réalisateur aux 39 films dont on a surtout retenu les comédies. Le choix de Colin Farrell et Ewan Mc Gregor dans le rôle des deux frères donne un solide coup de neuf au casting. Le dernier film de Woody Allen, "You will meet a tall dark stranger", qui vient d'être présenté hors compétition au 63° festival de Cannes, illustre cette ambigüité, comédie amère au titre lourd, à double sens, évoquant à la fois la rencontre amoureuse et la mort. Diffusion : sur TPS Star (canal 15) le dimanche 23 mai 2010 à 20h40. Autres diffusions sur CinéCinéma Premier (canal 100) le mardi 18 mai à 4h05, le mercredi 19 mai à 1h40, le jeudi 20 mai à 17h55.
12/05/2010 - 18:26
TV Festival de Cannes - 12 Jours et 12 nuits de cannes on et off
TV Festival de Cannes, chaîne événementielle ouvrant...
TV Festival de Cannes - 12 Jours et 12 nuits de cannes on et off
TV Festival de Cannes, chaîne événementielle ouvrant...
12/05/2010 - 18:26
TV Festival de Cannes - 12 Jours et 12 nuits de cannes on et off
TV Festival de Cannes, chaîne événementielle ouvrant ses portes une fois par an en mai, 12 jours et 12 nuits, a pour unique objet de couvrir le sacro-saint festival de Cannes de l'ouverture à la clôture, cette année du 12 au 23 mai 2010. L'ouverture du 63° festival se fera le mercredi 12 mai à partir de 18h30 sous la présidence du jury de Tim Burton, Kristin Scott-Thomas officiant en maîtresse de cérémonie. "Robin des bois" de Ridley Scott, film d'ouverture, hors compétition, y sera projeté ensuite aux festivaliers, qui sort en salles dans toute la France le même jour. Un principe de base : 12 heures de direct le jour, 12 heures de rediff la nuit dans les conditions du direct. Un fil directeur : le festival de Cannes intense on et off, qu'il s'agisse de la compétition officielle au Grand théâtre Lumière, le tapis rouge, ou de la section parallèle Un Certain regard dont les projections ont lieu dans l'aile droite du Palais à la salle Debussy, le tapis bleu. Cinéphile, on peut y suivre les conférences de presse de tous les films en compétition, mieux qu'en se trouvant sur place où cette chaîne n'est diffusée qu'au Palais des festivals à ses heures d'ouverture, ce qui suppose de posséder une accréditation adéquate pour y entrer, et dans quelques grands hôtels de la Croisette comme le Majestic ou le Martinez. Fan, on peut y voir tous les photocalls des équipes des films en compétition où seuls les photographes de presse accrédités peuvent assister. Glamour, on y assiste en direct aux fameuses montées des marches au Palais des festivals, le red carpet, en passe de devenir aussi prisé que les projections. L'année dernière, Mélanie Laurent en smoking blanc y dansait avec Quentin Tarantino pour la présentation d'"Inglourious basterds". Sharon Stone et Faye Dunaway y ont leurs habitudes. Les invités eux-même ne rechignent pas à se faire photographier sur les marches en costumes sombres et robes élégantes, la tenue de soirée y étant obligatoire pour les projections du soir. Convivial, on y écoute les émissions de Pierre Zeni, journaliste cinéma, qui reçoit sur le toit du Palais des festivals les équipes de films au sortir des conférences de presse. Dans une ambiance plus décontractée, des interviews de groupe des stars des films durant tout le festival et du jury au complet le premier jour. People, on y découvre la Croisette off ou Breaks sur les coulisses du festival, petits reportages sur le Cannes paillettes des soirées VIP, stars sur la Croisette, concerts et projections sur la Plage... Diffusée en multimédia depuis l'année dernière, on peut désormais regarder TV Festival de Cannes sur télévision, internet, voire un écran de téléphone mobile selon abonnement. Cette chaîne éphémère, incontournable pour tout amateur de cinéma, est rapidement addictive mais on ne s'en plaindra pas. Du 12 mai 18h30 au 23 mai 2010 au soir. France : Canal sat (canal 17 et canal 9 et 55 sur Cannes), monde entier : Canal overseas. Site officel : www.tvfestival.tv
TV Festival de Cannes - 12 Jours et 12 nuits de cannes on et off
TV Festival de Cannes, chaîne événementielle ouvrant ses portes une fois par an en mai, 12 jours et 12 nuits, a pour unique objet de couvrir le sacro-saint festival de Cannes de l'ouverture à la clôture, cette année du 12 au 23 mai 2010. L'ouverture du 63° festival se fera le mercredi 12 mai à partir de 18h30 sous la présidence du jury de Tim Burton, Kristin Scott-Thomas officiant en maîtresse de cérémonie. "Robin des bois" de Ridley Scott, film d'ouverture, hors compétition, y sera projeté ensuite aux festivaliers, qui sort en salles dans toute la France le même jour. Un principe de base : 12 heures de direct le jour, 12 heures de rediff la nuit dans les conditions du direct. Un fil directeur : le festival de Cannes intense on et off, qu'il s'agisse de la compétition officielle au Grand théâtre Lumière, le tapis rouge, ou de la section parallèle Un Certain regard dont les projections ont lieu dans l'aile droite du Palais à la salle Debussy, le tapis bleu. Cinéphile, on peut y suivre les conférences de presse de tous les films en compétition, mieux qu'en se trouvant sur place où cette chaîne n'est diffusée qu'au Palais des festivals à ses heures d'ouverture, ce qui suppose de posséder une accréditation adéquate pour y entrer, et dans quelques grands hôtels de la Croisette comme le Majestic ou le Martinez. Fan, on peut y voir tous les photocalls des équipes des films en compétition où seuls les photographes de presse accrédités peuvent assister. Glamour, on y assiste en direct aux fameuses montées des marches au Palais des festivals, le red carpet, en passe de devenir aussi prisé que les projections. L'année dernière, Mélanie Laurent en smoking blanc y dansait avec Quentin Tarantino pour la présentation d'"Inglourious basterds". Sharon Stone et Faye Dunaway y ont leurs habitudes. Les invités eux-même ne rechignent pas à se faire photographier sur les marches en costumes sombres et robes élégantes, la tenue de soirée y étant obligatoire pour les projections du soir. Convivial, on y écoute les émissions de Pierre Zeni, journaliste cinéma, qui reçoit sur le toit du Palais des festivals les équipes de films au sortir des conférences de presse. Dans une ambiance plus décontractée, des interviews de groupe des stars des films durant tout le festival et du jury au complet le premier jour. People, on y découvre la Croisette off ou Breaks sur les coulisses du festival, petits reportages sur le Cannes paillettes des soirées VIP, stars sur la Croisette, concerts et projections sur la Plage... Diffusée en multimédia depuis l'année dernière, on peut désormais regarder TV Festival de Cannes sur télévision, internet, voire un écran de téléphone mobile selon abonnement. Cette chaîne éphémère, incontournable pour tout amateur de cinéma, est rapidement addictive mais on ne s'en plaindra pas. Du 12 mai 18h30 au 23 mai 2010 au soir. France : Canal sat (canal 17 et canal 9 et 55 sur Cannes), monde entier : Canal overseas. Site officel : www.tvfestival.tv
03/05/2010 - 18:37
Intégrale Elisabeth Taylor - 27 Fois Liz Taylor
Un film de Liz Taylor tous les soirs autour de minuit, c'est le rêve...
Intégrale Elisabeth Taylor - 27 Fois Liz Taylor
Un film de Liz Taylor tous les soirs autour de minuit, c'est le rêve...
03/05/2010 - 18:37
Intégrale Elisabeth Taylor - 27 Fois Liz Taylor
Un film de Liz Taylor tous les soirs autour de minuit, c'est le rêve cinéphile que réalise TCM avec un cycle de 27 films démarrant le 2 mai 2010. Unique, son regard mauve légendaire, Liz Taylor, poussée dès l'enfance par sa mère à tenter tous les castings, a débuté à l'âge de dix ans à Hollywood, rapidement sous contrat avec la MGM. Aussi célèbre aujourd'hui pour ses huit mariages, son goût des diamants gros comme le Ritz, son engagement précoce contre le sida, que pour ses rôles, la dernière des stars, après quarante ans de carrière, usée par une vie trépidante et des ennuis de santé, mettra sa carrière en sourdine, tournant un de ses derniers films marquants en 1976 "L'Oiseau bleu" de George Cukor. Dans l'intervalle, Liz Taylor a tout joué, jamais démodée, toujours renouvelée, pour ne pas dire de plus en plus superbe, dans une carrière qu'on pourrait arbitrairement diviser en trois parties : les débuts de jeune fille sage avec "Fidèle Lassie" (1943), "Le Grand national" (1944) avec Mickey Rooney et surtout "Les Quatre filles du Docteur March" (1949) de Mervyn LeRoy. "Guet-apens" (1949) de Victor Saville où, à seulement seize ans, elle interprète l'épouse d'un officier anglais espion, rien moins que le magnifique Robert Taylor. La période flamboyante des années 50 où elle rencontre des partenaires comme Montgomery Clift ou Rock Hudson qui deviendront ses amis. Dans "Une Place au soleil" (1951) de George Stevens, elle joue Angela Wickers, une riche héritière dont s'éprend l'ambitieux George Eastman (Montgomery Clift) fiancé à une ouvrière dont il veut se débarrasser. Liz Taylor retrouvera Monty Clift quelques années plus tard dans "L'Arbre de vie" (1957) où elle est Susannah, jeune fille du sud fragile, traumatisée par la mort de ses parents dans un incendie criminel, qui force un homme rêveur à l'épouser alors qu'il en aimait une autre. Dans "Géant" (1957), encore de George Stevens, elle affronte le météore James Dean dans son troisième et dernier film et Rock Hudson qu'elle soutiendra quand il sera le premier acteur à Hollywood à faire son coming out. Le début des années 60 va marquer l'apogée de Liz Taylor, notamment grâce à sa rencontre implicite avec Tennessee Williams dans des adaptations de ses livres au cinéma, son talent et sa beauté alors portés à leur point d'incandescence : la Maggie d'"Une Chatte sur un toit brûlant" (1958) de Richard Brooks luttant contre le fantôme du meilleur ami de son mari (Paul Newman) qui sacrifie son mariage sur l'autel du souvenir exalté d'une relation dont il nie la dimension homosexuelle. La Catherine de "Soudain l'été dernier" (1960) de Joseph L. Mankiewicz, menacée de lobotomie par sa tante Violette (Katarina Hepburn) parce qu'elle a pris sa place auprès de son fils Sébastien, poète de pacotille, parasite chic, mort dans des circonstances tragiques lors d'un voyage en Europe avec sa cousine. A cette époque, Liz Taylor obtient l'Oscar de la meilleure actrice pour un film mineur "La Venus au vison" (1960) de Daniel Mann, comédie n'ayant rien à voir avec le livre de référence du masochisme "La Venus à la fourrure" de Sacher-Masoch. Plus tard, Liz Taylor tournera dans un film de John Huston adapté de Carson Mc Cullers, alter ego féminin de Tennessee Williams, le fameux "Reflets dans un oeil d'or" (1967) de John Huston réalisé dans une lumière dorée, où elle interprète une fille d'officier, brutale et vulgaire, mariée à un colonel ambigu fantasmant sur des jeunes hommes montant nus à cheval, dans une garnison du sud où l'ennui le dispute à la luxure. A la même période, le couple Liz Taylor et Richard Burton, qui se rencontre sur le tournage de "Cléopâtre" (1963) de Mankiewicz (le réalisateur ne s'en remettra pas) défraie la chronique. Mariés et divorcés deux fois, ils vont tourner huit films ensemble dont le célèbre "Qui a peur de Virginia Wolf?" (1967), ce rôle d'une Martha empâté et vieillie de 20 ans vaudra à Liz Taylor son second Oscar, puis, "La Mégère apprivoisée" (1967) de Franco Zeffirelli d'après Shakespeare, "Les Comédiens" (1967) de Peter Glenville avec Peter Ustinov, "Boom" (1968) de Losey, fantaisie dramatique sur une île au large de Capri. Avec Joseph Losey, Liz Taylor, exilée à Londres pour suivre Richard Burton, va d'ailleurs tourner trois films dont une oeuvre incontournable, relativement méconnue : "Cérémonie secrète" (1968) qui est un peu "The Servant" au féminin : son personnage Leonora, prostituée londonienne inconsolable de la mort de sa fille, accepte d'endosser les luxueux habits de Margaret, la mère défunte de Cenci (Mia Farrow), héritière névropathe qui feint de la reconnaître comme sa vraie mère et l'installe chez elle dans un palais baroque. Parmi les 27 films proposés, on va pouvoir enfin (re)voir des films oubliés comme "L'Arbre de vie" (1957) d'Edouard Dmytryck, échouant à faire un film sur la guerre de sécession dans la lignée d'"Autant en emporte le vent", "Hôtel international" (1963) d'Anthony Asquith mettant en scène un groupe de VIP bloqué dans un aéroport, "Le Chevalier des sables" (1965) de Vincente Minelli, comédie sentimentale désuète voguant sur la vague hippie où une séduisante mère de famille célibataire s'éprend du professeur de son fils, un charismatique ecclésiastique joué par Richard Burton... On n'en finirait plus d'évoquer la vie et la carrière d'Elizabeth Rosemond Taylor, dite Liz Taylor : enfant prodige, une vie devant les caméras on et off. Convertie au catholicisme pour épouser son premier mari, un héritier Hilton, puis au judaïsme pour convoler avec Mike Todd, aujourd'hui affiliée au Centre de la Kabbale, que la mort de Rock Hudson transforme en 1985 en pionnière de la lutte contre le sida, fondant The Elizabeth Taylor AIDS Foundation ; amie de Michael Jackson qu'elle soutint lors de ses procès où il fut accusé de pédophilie, la santé précaire, opérée des dizaines de fois, courageuse, survivante en quelque sorte, au seuil de se marier à près de 80 ans pour la neuvième fois.Cycle Elisabeth Taylor, 27 films sur TCM à partir du 2 mai 2010. 3 films avec Liz Taylor tous les dimanches de mai à partir de 20h40 et un film avec Liz Taylor tous les soirs de mai autour de minuit. Départ avec "L'Arbre de vie" le dimanche 2 mai, "La Mégère apprivoisée" le dimanche 9 mai, "Cérémonie secrète" le dimanche 16 mai, "La Vénus au vison" le dimanche 23 mai, "Soudain l'été dernier" le dimanche 30 mai.
Intégrale Elisabeth Taylor - 27 Fois Liz Taylor
Un film de Liz Taylor tous les soirs autour de minuit, c'est le rêve cinéphile que réalise TCM avec un cycle de 27 films démarrant le 2 mai 2010. Unique, son regard mauve légendaire, Liz Taylor, poussée dès l'enfance par sa mère à tenter tous les castings, a débuté à l'âge de dix ans à Hollywood, rapidement sous contrat avec la MGM. Aussi célèbre aujourd'hui pour ses huit mariages, son goût des diamants gros comme le Ritz, son engagement précoce contre le sida, que pour ses rôles, la dernière des stars, après quarante ans de carrière, usée par une vie trépidante et des ennuis de santé, mettra sa carrière en sourdine, tournant un de ses derniers films marquants en 1976 "L'Oiseau bleu" de George Cukor. Dans l'intervalle, Liz Taylor a tout joué, jamais démodée, toujours renouvelée, pour ne pas dire de plus en plus superbe, dans une carrière qu'on pourrait arbitrairement diviser en trois parties : les débuts de jeune fille sage avec "Fidèle Lassie" (1943), "Le Grand national" (1944) avec Mickey Rooney et surtout "Les Quatre filles du Docteur March" (1949) de Mervyn LeRoy. "Guet-apens" (1949) de Victor Saville où, à seulement seize ans, elle interprète l'épouse d'un officier anglais espion, rien moins que le magnifique Robert Taylor. La période flamboyante des années 50 où elle rencontre des partenaires comme Montgomery Clift ou Rock Hudson qui deviendront ses amis. Dans "Une Place au soleil" (1951) de George Stevens, elle joue Angela Wickers, une riche héritière dont s'éprend l'ambitieux George Eastman (Montgomery Clift) fiancé à une ouvrière dont il veut se débarrasser. Liz Taylor retrouvera Monty Clift quelques années plus tard dans "L'Arbre de vie" (1957) où elle est Susannah, jeune fille du sud fragile, traumatisée par la mort de ses parents dans un incendie criminel, qui force un homme rêveur à l'épouser alors qu'il en aimait une autre. Dans "Géant" (1957), encore de George Stevens, elle affronte le météore James Dean dans son troisième et dernier film et Rock Hudson qu'elle soutiendra quand il sera le premier acteur à Hollywood à faire son coming out. Le début des années 60 va marquer l'apogée de Liz Taylor, notamment grâce à sa rencontre implicite avec Tennessee Williams dans des adaptations de ses livres au cinéma, son talent et sa beauté alors portés à leur point d'incandescence : la Maggie d'"Une Chatte sur un toit brûlant" (1958) de Richard Brooks luttant contre le fantôme du meilleur ami de son mari (Paul Newman) qui sacrifie son mariage sur l'autel du souvenir exalté d'une relation dont il nie la dimension homosexuelle. La Catherine de "Soudain l'été dernier" (1960) de Joseph L. Mankiewicz, menacée de lobotomie par sa tante Violette (Katarina Hepburn) parce qu'elle a pris sa place auprès de son fils Sébastien, poète de pacotille, parasite chic, mort dans des circonstances tragiques lors d'un voyage en Europe avec sa cousine. A cette époque, Liz Taylor obtient l'Oscar de la meilleure actrice pour un film mineur "La Venus au vison" (1960) de Daniel Mann, comédie n'ayant rien à voir avec le livre de référence du masochisme "La Venus à la fourrure" de Sacher-Masoch. Plus tard, Liz Taylor tournera dans un film de John Huston adapté de Carson Mc Cullers, alter ego féminin de Tennessee Williams, le fameux "Reflets dans un oeil d'or" (1967) de John Huston réalisé dans une lumière dorée, où elle interprète une fille d'officier, brutale et vulgaire, mariée à un colonel ambigu fantasmant sur des jeunes hommes montant nus à cheval, dans une garnison du sud où l'ennui le dispute à la luxure. A la même période, le couple Liz Taylor et Richard Burton, qui se rencontre sur le tournage de "Cléopâtre" (1963) de Mankiewicz (le réalisateur ne s'en remettra pas) défraie la chronique. Mariés et divorcés deux fois, ils vont tourner huit films ensemble dont le célèbre "Qui a peur de Virginia Wolf?" (1967), ce rôle d'une Martha empâté et vieillie de 20 ans vaudra à Liz Taylor son second Oscar, puis, "La Mégère apprivoisée" (1967) de Franco Zeffirelli d'après Shakespeare, "Les Comédiens" (1967) de Peter Glenville avec Peter Ustinov, "Boom" (1968) de Losey, fantaisie dramatique sur une île au large de Capri. Avec Joseph Losey, Liz Taylor, exilée à Londres pour suivre Richard Burton, va d'ailleurs tourner trois films dont une oeuvre incontournable, relativement méconnue : "Cérémonie secrète" (1968) qui est un peu "The Servant" au féminin : son personnage Leonora, prostituée londonienne inconsolable de la mort de sa fille, accepte d'endosser les luxueux habits de Margaret, la mère défunte de Cenci (Mia Farrow), héritière névropathe qui feint de la reconnaître comme sa vraie mère et l'installe chez elle dans un palais baroque. Parmi les 27 films proposés, on va pouvoir enfin (re)voir des films oubliés comme "L'Arbre de vie" (1957) d'Edouard Dmytryck, échouant à faire un film sur la guerre de sécession dans la lignée d'"Autant en emporte le vent", "Hôtel international" (1963) d'Anthony Asquith mettant en scène un groupe de VIP bloqué dans un aéroport, "Le Chevalier des sables" (1965) de Vincente Minelli, comédie sentimentale désuète voguant sur la vague hippie où une séduisante mère de famille célibataire s'éprend du professeur de son fils, un charismatique ecclésiastique joué par Richard Burton... On n'en finirait plus d'évoquer la vie et la carrière d'Elizabeth Rosemond Taylor, dite Liz Taylor : enfant prodige, une vie devant les caméras on et off. Convertie au catholicisme pour épouser son premier mari, un héritier Hilton, puis au judaïsme pour convoler avec Mike Todd, aujourd'hui affiliée au Centre de la Kabbale, que la mort de Rock Hudson transforme en 1985 en pionnière de la lutte contre le sida, fondant The Elizabeth Taylor AIDS Foundation ; amie de Michael Jackson qu'elle soutint lors de ses procès où il fut accusé de pédophilie, la santé précaire, opérée des dizaines de fois, courageuse, survivante en quelque sorte, au seuil de se marier à près de 80 ans pour la neuvième fois.Cycle Elisabeth Taylor, 27 films sur TCM à partir du 2 mai 2010. 3 films avec Liz Taylor tous les dimanches de mai à partir de 20h40 et un film avec Liz Taylor tous les soirs de mai autour de minuit. Départ avec "L'Arbre de vie" le dimanche 2 mai, "La Mégère apprivoisée" le dimanche 9 mai, "Cérémonie secrète" le dimanche 16 mai, "La Vénus au vison" le dimanche 23 mai, "Soudain l'été dernier" le dimanche 30 mai.
22/04/2010 - 15:30
Awake – Son et lumières au bloc opératoire
Le film "Awake" part d'un phénomène médical réel ("anesthesia awareness" ou...
Awake – Son et lumières au bloc opératoire
Le film "Awake" part d'un phénomène médical réel ("anesthesia awareness" ou...
22/04/2010 - 15:30
Awake – Son et lumières au bloc opératoire
Le film "Awake" part d'un phénomène médical réel ("anesthesia awareness" ou conscience de l'anesthésie) dont souffrent certains patients qui demeurent éveillés lors d'une anesthésie générale mais paralysés, incapables de communiquer... C'est ce qui va arriver au riche héritier Clay Beresford lors d'une greffe cardiaque opérée par un chirurgien ami. Car si Clay est un homme puissant et riche, le moins qu'on puisse dire est qu'il est mal entouré...Son père mort quand il était enfant un soir de Noël dans des circonstances troubles, sa mère abusive le contraignant à dissimuler sa fiancée, son coeur fragile l'obligeant à des nombreux traitements, d'entrée, le portrait des privilèges d'un nanti est contrebalancé par une somme d'ennuis démontrant que l'argent ne fait pas le bonheur.Sauvé d'un malaise cardiaque par le Docteur Jack Harper, Clay Beresford est devenu son ami au point de décider qu'il sera son chirurgien lors de sa transplantation cardiaque aussitôt que l'hôpital lui dénichera un coeur compatible. Une idée qui révulse Lilith Beresford, sa mère, préférant un grand ponte de cardiologie mais c'est aussi pour lui prouver son autonomie que le jeune homme a fait ce choix. Marié à quelques heures d'être opéré avec Sam Lockwood, la secrétaire particulière de sa mère qu'il aime en secret depuis un an, Clay se raccroche aux images idylliques de la superbe jeune femme au moment de l'anesthésie ratée. Tandis qu'on démarre l'intervention chirurgicale, Clay, parfaitement conscient, se rend compte de tout et entend les conversations de l'équipe opératoire, jusqu'à comprendre qu'il est victime d'une machination diabolique...Le film comporte deux parties, l'avant et le temps de l'opération, cette seconde partie très tarabiscotée comportant elle-même depuis le bloc opératoire un peu toutes les époques et formes narratives, le présent, des flash-backs sur un passé récent ou lointain, des scènes fantasmées d'un double de Clay tentant d'avertir les uns et les autres qu'il est conscient sur la table d'opération en se promenant dans l'hôpital. Si les gestes opératoires prennent beaucoup de place, la mise en scène un peu primaire, le souci de crédibilité passé en pertes en profits, l'intrigue, en revanche, est maligne et le spectateur risque d'être aussi choqué par ce qu'il entend que Clay Beresford.Le choix des interprètes vise des archétypes, le beau jeune homme souffreteux ( Hayden Christensen ), la poupée sublime (Jessica Alba), la mère encore jeune aux cheveux trop longs (Lena Olin), et ça fonctionne... Un thriller médical un peu lourd, un poil fantastique, n'hésitant pas à convoquer un soupçon de psychanalyse au bloc opératoire pour réveiller le patient! Une bonne série B sans prétention signée Joby Harold qui remplit sa mission de tenir en éveil (awake), pas sortie en salles à ma connaissance mais directement en DVD.Diffusion sur Cinécinéma Premier (100) et Cinécinéma Premier HD (193) le mercredi 28 avril à 20h40. Interdit -12 ans.
Awake – Son et lumières au bloc opératoire
Le film "Awake" part d'un phénomène médical réel ("anesthesia awareness" ou conscience de l'anesthésie) dont souffrent certains patients qui demeurent éveillés lors d'une anesthésie générale mais paralysés, incapables de communiquer... C'est ce qui va arriver au riche héritier Clay Beresford lors d'une greffe cardiaque opérée par un chirurgien ami. Car si Clay est un homme puissant et riche, le moins qu'on puisse dire est qu'il est mal entouré...Son père mort quand il était enfant un soir de Noël dans des circonstances troubles, sa mère abusive le contraignant à dissimuler sa fiancée, son coeur fragile l'obligeant à des nombreux traitements, d'entrée, le portrait des privilèges d'un nanti est contrebalancé par une somme d'ennuis démontrant que l'argent ne fait pas le bonheur.Sauvé d'un malaise cardiaque par le Docteur Jack Harper, Clay Beresford est devenu son ami au point de décider qu'il sera son chirurgien lors de sa transplantation cardiaque aussitôt que l'hôpital lui dénichera un coeur compatible. Une idée qui révulse Lilith Beresford, sa mère, préférant un grand ponte de cardiologie mais c'est aussi pour lui prouver son autonomie que le jeune homme a fait ce choix. Marié à quelques heures d'être opéré avec Sam Lockwood, la secrétaire particulière de sa mère qu'il aime en secret depuis un an, Clay se raccroche aux images idylliques de la superbe jeune femme au moment de l'anesthésie ratée. Tandis qu'on démarre l'intervention chirurgicale, Clay, parfaitement conscient, se rend compte de tout et entend les conversations de l'équipe opératoire, jusqu'à comprendre qu'il est victime d'une machination diabolique...Le film comporte deux parties, l'avant et le temps de l'opération, cette seconde partie très tarabiscotée comportant elle-même depuis le bloc opératoire un peu toutes les époques et formes narratives, le présent, des flash-backs sur un passé récent ou lointain, des scènes fantasmées d'un double de Clay tentant d'avertir les uns et les autres qu'il est conscient sur la table d'opération en se promenant dans l'hôpital. Si les gestes opératoires prennent beaucoup de place, la mise en scène un peu primaire, le souci de crédibilité passé en pertes en profits, l'intrigue, en revanche, est maligne et le spectateur risque d'être aussi choqué par ce qu'il entend que Clay Beresford.Le choix des interprètes vise des archétypes, le beau jeune homme souffreteux ( Hayden Christensen ), la poupée sublime (Jessica Alba), la mère encore jeune aux cheveux trop longs (Lena Olin), et ça fonctionne... Un thriller médical un peu lourd, un poil fantastique, n'hésitant pas à convoquer un soupçon de psychanalyse au bloc opératoire pour réveiller le patient! Une bonne série B sans prétention signée Joby Harold qui remplit sa mission de tenir en éveil (awake), pas sortie en salles à ma connaissance mais directement en DVD.Diffusion sur Cinécinéma Premier (100) et Cinécinéma Premier HD (193) le mercredi 28 avril à 20h40. Interdit -12 ans.
14/04/2010 - 16:48
Whatever Lola wants - Les mille et une danses
Conte de fées sur la réussite à l'américaine...
Whatever Lola wants - Les mille et une danses
Conte de fées sur la réussite à l'américaine...
14/04/2010 - 16:48
Whatever Lola wants - Les mille et une danses
Conte de fées sur la réussite à l'américaine transposée en Egypte, le film est un hymne à la volonté, clé de la réalisation de ses rêves. Hybride, ni américain ni égyptien, ce film est une comédie romantique utilisant un angle particulier, celui du regard de l'étranger : l'idée que se ferait un égyptien de New York (première partie), puis son regard modifié, américanisé, sur Le Caire à son retour au pays (seconde partie). Après une petite demi-heure de clichés sur l'Amérique, l'histoire commence véritablement quand Lola, postière de 25 ans, s'acharnant à devenir une danseuse professionnelle, va apprendre la danse orientale en Egypte.Après des années d'audition ratées à Broadway et au seuil de signer pour travailler à temps plein à la poste, Lola a un coup de foudre pour Zack, un bel étudiant égyptien à qui elle distribue son courrier. Trois semaines et une histoire d'amour éclair plus tard, Zack est reparti pour Le Caire, dépité d'apprendre que Lola n'envisageait de fonder une famille qu'à 35 ans. Dans l'intervalle, le meilleur ami de Lola, lui-même égyptien ayant fui son pays d'origine parce qu'il est gay, serveur dans un restaurant italien, lui a parlé de la danseuse star Ismahan.Débarquée au Caire, la famille de Zack interloquée par son arrivée, Lola va affronter la réalité de la vie égyptienne. Sa relation avec Zack est stoppée net, incompatible avec ses ambitions de danseuse et ses habitudes d'américaine de fréquenter librement les boites de nuit pour danser. Approcher Ismahan n'est pas chose aisée, Lola devra l'apprivoiser, la danseuse mythique, bannie depuis une relation adultérine, abandonnée par son mari, est enfermée chez elle avec sa fille. Tandis que Lola va devenir une star de la danse orientale en Egypte, renonçant à Zack, Ismahan va emprunter le chemin inverse, en acceptant d'apprendre les secrets de la danse à Lola, elle va retrouver son unique amour qui n'est autre que leur impresario commun.On se laisse embarquer dans ce film lorsque Lola arrive au Caire, la première demi-heure à New York étant traitée au pas de course alors qu'il y avait matière à faire un feuilleton tant on enchaîne les situations et les événements en accéléré. L'apprentissage de la danse égyptienne par une américaine est nettement plus captivant, l'histoire se déploie dans le quotidien de ces deux femmes, l'occidentale et l'orientale, qui vont devenir amies, permettant de développer de l'empathie pour les personnages. Rien de réaliste néanmoins dans ce conte de fées moderne, ode à l'universalité de l'art et des sentiments, les différences culturelles entre Lola et Ismahan étant rapidement gommées d'un coup de hanche en musique pour l'amour de la danse ou d'un homme inaccessible. Le titre « Whatever Lola wants » rend hommage à un célèbre standard jazz des années 50 popularisé par Sarah Vaughan, ici revisité avec des sonorités orientales par la chanteuse Natacha Atlas. CinéCinéma Emotion (canal 102) jeudi 22 avril à 20h40.
Whatever Lola wants - Les mille et une danses
Conte de fées sur la réussite à l'américaine transposée en Egypte, le film est un hymne à la volonté, clé de la réalisation de ses rêves. Hybride, ni américain ni égyptien, ce film est une comédie romantique utilisant un angle particulier, celui du regard de l'étranger : l'idée que se ferait un égyptien de New York (première partie), puis son regard modifié, américanisé, sur Le Caire à son retour au pays (seconde partie). Après une petite demi-heure de clichés sur l'Amérique, l'histoire commence véritablement quand Lola, postière de 25 ans, s'acharnant à devenir une danseuse professionnelle, va apprendre la danse orientale en Egypte.Après des années d'audition ratées à Broadway et au seuil de signer pour travailler à temps plein à la poste, Lola a un coup de foudre pour Zack, un bel étudiant égyptien à qui elle distribue son courrier. Trois semaines et une histoire d'amour éclair plus tard, Zack est reparti pour Le Caire, dépité d'apprendre que Lola n'envisageait de fonder une famille qu'à 35 ans. Dans l'intervalle, le meilleur ami de Lola, lui-même égyptien ayant fui son pays d'origine parce qu'il est gay, serveur dans un restaurant italien, lui a parlé de la danseuse star Ismahan.Débarquée au Caire, la famille de Zack interloquée par son arrivée, Lola va affronter la réalité de la vie égyptienne. Sa relation avec Zack est stoppée net, incompatible avec ses ambitions de danseuse et ses habitudes d'américaine de fréquenter librement les boites de nuit pour danser. Approcher Ismahan n'est pas chose aisée, Lola devra l'apprivoiser, la danseuse mythique, bannie depuis une relation adultérine, abandonnée par son mari, est enfermée chez elle avec sa fille. Tandis que Lola va devenir une star de la danse orientale en Egypte, renonçant à Zack, Ismahan va emprunter le chemin inverse, en acceptant d'apprendre les secrets de la danse à Lola, elle va retrouver son unique amour qui n'est autre que leur impresario commun.On se laisse embarquer dans ce film lorsque Lola arrive au Caire, la première demi-heure à New York étant traitée au pas de course alors qu'il y avait matière à faire un feuilleton tant on enchaîne les situations et les événements en accéléré. L'apprentissage de la danse égyptienne par une américaine est nettement plus captivant, l'histoire se déploie dans le quotidien de ces deux femmes, l'occidentale et l'orientale, qui vont devenir amies, permettant de développer de l'empathie pour les personnages. Rien de réaliste néanmoins dans ce conte de fées moderne, ode à l'universalité de l'art et des sentiments, les différences culturelles entre Lola et Ismahan étant rapidement gommées d'un coup de hanche en musique pour l'amour de la danse ou d'un homme inaccessible. Le titre « Whatever Lola wants » rend hommage à un célèbre standard jazz des années 50 popularisé par Sarah Vaughan, ici revisité avec des sonorités orientales par la chanteuse Natacha Atlas. CinéCinéma Emotion (canal 102) jeudi 22 avril à 20h40.
30/03/2010 - 18:35
Cycle : Spéciale premiers films – Les premières fois
TCM a concocté chaque jeudi d'avril un programme spécial "premiers films"...
Cycle : Spéciale premiers films – Les premières fois
TCM a concocté chaque jeudi d'avril un programme spécial "premiers films"...
30/03/2010 - 18:35
Cycle : Spéciale premiers films – Les premières fois
TCM a concocté chaque jeudi d'avril un programme spécial "premiers films" devenus cultes avec le temps. Ce cycle brasse large d'un grand classique du 7ième art, "Citizen Kane" (1941) d'Orson Welles, film de référence réalisé un an avant "La Splendeur des Amberson" (deux chefs-d'oeuvre), à des polars noirs des années 80/90 trempant dans l'enfer du jeu : "Engrenages" (1987) de David Mamet, auteur et dramaturge, et "Double mise" (1997), de Paul Thomas Anderson, futur réalisateur de "Magnolia" et "There 'll be blood", en passant par la Nouvelle vague, Clint Eastwood, Martin Scorsese, Tim Burton et Oliver Stone. Quand Clint Eastwood rencontre Hitchcock, ce dernier, déjà très fatigué, est sur le point de renoncer à tourner son prochain film. Mais l'acteur s'apprêtant à réaliser son premier film, "Un Frisson dans la nuit" ("Play Misty for me", 1971), veut demander des conseils au maître. Il les a retenus quand on voit, par exemple, la scène dite "de la douche" en référence à "Psychose"... Dans le style hippie côte Ouest des années 70, "Play Misty for me" est le titre d'une chanson que réclame toutes les nuits une auditrice à Clive/Clint himself, un animateur de radio. Plaqué par sa petite amie, Clive va payer cher un moment d'égarement avec cette inconnue vite métamorphosée en maîtresse en harcèlement... D'entrée, celui qu'on taxait d'être 'l'idiot des plaines" va frapper fort, il a un style, un ton, et de l'audace... Côté Nouvelle vague en France, beaucoup ont fait mouche avec leur premier film : Claude Chabrol avec "Le Beau Serge", considéré comme le premier film de la Nouvelle vague, Louis Malle avec "Ascenseur pour l'échafaud", François Truffaut avec "Les 400 coups", Jean-Luc Godard avec "A Bout de souffle" (1960). Jean Seberg, look androgyne, angélique, vendant à la criée le "New York Herald tribune" deviendra une icône du jour au lendemain. Belmondo, pas encore le Bébel commercial, sera un ennemi public numéro 1 charismatique, romantique, sous la direction d'un Godard qu'il retrouvera face à Anna Karina dans "Pierrot le fou" (1965). Un cycle éclectique et trans-générationnel qui intègre également le premier long-métrage d'un certain Tim Burton, "Pee Wee'big adventure" (1985), une excentrique histoire de recherche d'une bicyclette volée, diffusion opportune pour comparer ce coup d'essai avec la grande machinerie de son dernier film "Alice au pays des merveilles" sorti en salles le 24 mars dernier. Mais aussi "Who's that knocking at my door?" (1967) de Martin Scorsese, laborieux premier film ayant demandé pas moins de quatre années de galères pour le réaliser, et "La Main du cauchemar" (1981), série B atypique dans la carrière d'Oliver Stone, tourné par un concours de circonstances grâce à l'amitié d'un producteur de films d'horreur.Cycle "Premiers films" sur TCM (canal 108) tous les jeudis d'avril avec 8 films, premières diffusions : "Un Frisson dans la nuit' (1er avril, 20h40), "Who's that knocking at my door?" (1er avril, 22h20), "Pee Wee'big adventure" (8 avril, 20h40), "La Main du cauchemar" (8 avril, 22h10), "Double mise" (15 avril, 20h40), "A Bout de souffle" (15 avril, 22h20), "Engrenages" (22 avril, 20h40), "Citizen Kane (29 avril, 22h30).
Cycle : Spéciale premiers films – Les premières fois
TCM a concocté chaque jeudi d'avril un programme spécial "premiers films" devenus cultes avec le temps. Ce cycle brasse large d'un grand classique du 7ième art, "Citizen Kane" (1941) d'Orson Welles, film de référence réalisé un an avant "La Splendeur des Amberson" (deux chefs-d'oeuvre), à des polars noirs des années 80/90 trempant dans l'enfer du jeu : "Engrenages" (1987) de David Mamet, auteur et dramaturge, et "Double mise" (1997), de Paul Thomas Anderson, futur réalisateur de "Magnolia" et "There 'll be blood", en passant par la Nouvelle vague, Clint Eastwood, Martin Scorsese, Tim Burton et Oliver Stone. Quand Clint Eastwood rencontre Hitchcock, ce dernier, déjà très fatigué, est sur le point de renoncer à tourner son prochain film. Mais l'acteur s'apprêtant à réaliser son premier film, "Un Frisson dans la nuit" ("Play Misty for me", 1971), veut demander des conseils au maître. Il les a retenus quand on voit, par exemple, la scène dite "de la douche" en référence à "Psychose"... Dans le style hippie côte Ouest des années 70, "Play Misty for me" est le titre d'une chanson que réclame toutes les nuits une auditrice à Clive/Clint himself, un animateur de radio. Plaqué par sa petite amie, Clive va payer cher un moment d'égarement avec cette inconnue vite métamorphosée en maîtresse en harcèlement... D'entrée, celui qu'on taxait d'être 'l'idiot des plaines" va frapper fort, il a un style, un ton, et de l'audace... Côté Nouvelle vague en France, beaucoup ont fait mouche avec leur premier film : Claude Chabrol avec "Le Beau Serge", considéré comme le premier film de la Nouvelle vague, Louis Malle avec "Ascenseur pour l'échafaud", François Truffaut avec "Les 400 coups", Jean-Luc Godard avec "A Bout de souffle" (1960). Jean Seberg, look androgyne, angélique, vendant à la criée le "New York Herald tribune" deviendra une icône du jour au lendemain. Belmondo, pas encore le Bébel commercial, sera un ennemi public numéro 1 charismatique, romantique, sous la direction d'un Godard qu'il retrouvera face à Anna Karina dans "Pierrot le fou" (1965). Un cycle éclectique et trans-générationnel qui intègre également le premier long-métrage d'un certain Tim Burton, "Pee Wee'big adventure" (1985), une excentrique histoire de recherche d'une bicyclette volée, diffusion opportune pour comparer ce coup d'essai avec la grande machinerie de son dernier film "Alice au pays des merveilles" sorti en salles le 24 mars dernier. Mais aussi "Who's that knocking at my door?" (1967) de Martin Scorsese, laborieux premier film ayant demandé pas moins de quatre années de galères pour le réaliser, et "La Main du cauchemar" (1981), série B atypique dans la carrière d'Oliver Stone, tourné par un concours de circonstances grâce à l'amitié d'un producteur de films d'horreur.Cycle "Premiers films" sur TCM (canal 108) tous les jeudis d'avril avec 8 films, premières diffusions : "Un Frisson dans la nuit' (1er avril, 20h40), "Who's that knocking at my door?" (1er avril, 22h20), "Pee Wee'big adventure" (8 avril, 20h40), "La Main du cauchemar" (8 avril, 22h10), "Double mise" (15 avril, 20h40), "A Bout de souffle" (15 avril, 22h20), "Engrenages" (22 avril, 20h40), "Citizen Kane (29 avril, 22h30).
24/03/2010 - 17:04
Il y a longtemps que je t’aime – Les deux sœurs
Premier film du romancier Philippe Claudel, ce dernier a concocté pour...
Il y a longtemps que je t’aime – Les deux sœurs
Premier film du romancier Philippe Claudel, ce dernier a concocté pour...
24/03/2010 - 17:04
Il y a longtemps que je t’aime – Les deux sœurs
Premier film du romancier Philippe Claudel, ce dernier a concocté pour l'occasion un scénario original, et non pas cédé à la facilité d'adapter un de ses livres. Pour l'adaptation de son roman "Les Ames grises" réalisé par Yves Angelo en 2004, Philippe Claudel s'en était tenu à écrire le scénario. Cependant, la trame demeure ultra-littéraire : deux soeurs fusionnelles, un secret de famille, un coup de théâtre final obligeant à une relecture de l'histoire. L'une, Juliette, sort de prison, emmurée dans le silence et la haine, incapable de se réinsérer dans une société qui l'a condamnée. L'autre, Léa, la cadette, ayant rejeté son aînée au moment du procès, l'accueille à présent chez elle dans sa famille. Après avoir purgé une peine de quinze ans pour infanticide, Juliette accepte de s'installer chez Léa, évoluant tel un fantôme, imperméable aux gestes d'affection, immergée dans une culpabilité étau. Une culpabilité partagée par Léa pour des raisons différentes, ne se pardonnant pas d'avoir jugé sa soeur Juliette, qu'elle vénérait dans son enfance, sans essayer de la comprendre. Les conséquences indirectes traumatiques du crime de Juliette sur son entourage proche sont abordés intelligemment : après le drame, Léa n'a pas voulu "prendre le risque" de mettre au monde des enfants, elle a préféré l'adoption, leur père a été frappé d'une attaque, devenu mutique, leur mère plongée dans l'absence d'un Alzheimer. A sa manière, chacun s'est enfermé pour ne pas affronter l'horreur, Juliette, elle-même, a récréé mentalement un univers carcéral à sa sortie de prison. Jusqu'à la résolution de l'intrigue, le récit captive, le mystère de Juliette, médecin brillant que son insertion socio-professionnelle ne destinait pas a priori à devenir une paria de la société, fascine comme une énigme. Mais l'auteur n'ose pas un personnage opaque à la Bébé Donge ("La Vérité sur Bébé Donge" d'Henri Decoin d'après Simenon), femme-enfant Bovaryste, blessée à mort qu'on ait tué son rêve d'amour fou, qui empoisonne son mari sans que l'histoire n'explique vraiment pourquoi et, surtout, sans que la meurtrière en éprouve le moindre remords... Dans "Il y a longtemps que je t'aime", cette tardive rédemption de la mère infanticide pose deux problèmes : d'une part, la crédibilité du récit, on comprend mal à rebours le comportement de la famille de Juliette au moment du drame, d'autre part, le côté moralement correct de reconvertir in extremis un crime en sacrifice.Le couple Kristin Scott-Thomas et Elsa Zylberstein y est pour beaucoup dans le succès du film, chacune dans la performance d'actrice en sous-jeu, sobres, subtiles, touchantes par leurs silences et leurs regards. Du cinéma français de facture classique donnant la vedette à l'intrigue et aux interprètes, un vrai mélodrame tablant essentiellement sur l'émotion suscitée par les situations. "Il y a longtemps que je t'aime" sur TPS STAR (15) le Jeudi 25 mars à 20h40.
Il y a longtemps que je t’aime – Les deux sœurs
Premier film du romancier Philippe Claudel, ce dernier a concocté pour l'occasion un scénario original, et non pas cédé à la facilité d'adapter un de ses livres. Pour l'adaptation de son roman "Les Ames grises" réalisé par Yves Angelo en 2004, Philippe Claudel s'en était tenu à écrire le scénario. Cependant, la trame demeure ultra-littéraire : deux soeurs fusionnelles, un secret de famille, un coup de théâtre final obligeant à une relecture de l'histoire. L'une, Juliette, sort de prison, emmurée dans le silence et la haine, incapable de se réinsérer dans une société qui l'a condamnée. L'autre, Léa, la cadette, ayant rejeté son aînée au moment du procès, l'accueille à présent chez elle dans sa famille. Après avoir purgé une peine de quinze ans pour infanticide, Juliette accepte de s'installer chez Léa, évoluant tel un fantôme, imperméable aux gestes d'affection, immergée dans une culpabilité étau. Une culpabilité partagée par Léa pour des raisons différentes, ne se pardonnant pas d'avoir jugé sa soeur Juliette, qu'elle vénérait dans son enfance, sans essayer de la comprendre. Les conséquences indirectes traumatiques du crime de Juliette sur son entourage proche sont abordés intelligemment : après le drame, Léa n'a pas voulu "prendre le risque" de mettre au monde des enfants, elle a préféré l'adoption, leur père a été frappé d'une attaque, devenu mutique, leur mère plongée dans l'absence d'un Alzheimer. A sa manière, chacun s'est enfermé pour ne pas affronter l'horreur, Juliette, elle-même, a récréé mentalement un univers carcéral à sa sortie de prison. Jusqu'à la résolution de l'intrigue, le récit captive, le mystère de Juliette, médecin brillant que son insertion socio-professionnelle ne destinait pas a priori à devenir une paria de la société, fascine comme une énigme. Mais l'auteur n'ose pas un personnage opaque à la Bébé Donge ("La Vérité sur Bébé Donge" d'Henri Decoin d'après Simenon), femme-enfant Bovaryste, blessée à mort qu'on ait tué son rêve d'amour fou, qui empoisonne son mari sans que l'histoire n'explique vraiment pourquoi et, surtout, sans que la meurtrière en éprouve le moindre remords... Dans "Il y a longtemps que je t'aime", cette tardive rédemption de la mère infanticide pose deux problèmes : d'une part, la crédibilité du récit, on comprend mal à rebours le comportement de la famille de Juliette au moment du drame, d'autre part, le côté moralement correct de reconvertir in extremis un crime en sacrifice.Le couple Kristin Scott-Thomas et Elsa Zylberstein y est pour beaucoup dans le succès du film, chacune dans la performance d'actrice en sous-jeu, sobres, subtiles, touchantes par leurs silences et leurs regards. Du cinéma français de facture classique donnant la vedette à l'intrigue et aux interprètes, un vrai mélodrame tablant essentiellement sur l'émotion suscitée par les situations. "Il y a longtemps que je t'aime" sur TPS STAR (15) le Jeudi 25 mars à 20h40.
10/03/2010 - 19:06
Blanche Neige et les 7 nains - En blanc, rouge et noir
On le crédite souvent d'être le premier dessin animé long-métrage du monde,...
Blanche Neige et les 7 nains - En blanc, rouge et noir
On le crédite souvent d'être le premier dessin animé long-métrage du monde,...
10/03/2010 - 19:06
Blanche Neige et les 7 nains - En blanc, rouge et noir
On le crédite souvent d'être le premier dessin animé long-métrage du monde, en réalité c'est le premier à être sonore et en couleurs, trois autres l'ayant précédé. "Blanche Neige et les 7 nains", création de Walt Disney réalisé en 1937, est adapté d'un conte des frères Grimm paru en 1812, lui-même inspiré d'un mythe germanique. Une reine qui se désolait de ne pas avoir d'enfant, meurt en accouchant d'une petite fille au teint blanc, aux cheveux noirs et lèvres rouges, comme elle l'avait souhaité un jour en cousant et se piquant le doigt avec une aiguille, le rouge du sang coulant sur la neige. Le roi se remarie avec une femme coquette et narcissique qui interroge tous les jours son miroir pour vérifier qu'elle est la plus belle du royaume. Un matin que le miroir répond que c'est Blanche Neige la plus belle, la marâtre, furieuse, demande à un chasseur de tuer sa belle-fille dans la forêt mais ce dernier se contente de l'abandonner dans les bois. Blanche neige y trouvera refuge dans la maison des 7 nains qui l'engageront comme servante. Conte initiatique mettant en scène les étapes douloureuses du passage de l'adolescence à l'âge adulte, "Blanche Neige et les 7 nains" peut amener à des quantités de lectures. Jalousée par l'épouse de son père qui voit en elle une rivale à éliminer, recueillie par les 7 nains, hommes minuscules et asexués, en échange de tâches ménagères, ressuscitée par l'amour du prince charmant, la survie de Blanche Neige dépend des hommes. Ce qui n'a pas échappé aux féministes qui considèrent le mythe du prince charmant comme aliénant pour les adolescentes. Conte cruel, comme l'étaient souvent les contes de Grimm, "Blanche Neige et les 7 nains" est truffé de symboles sexuels et de références à la mort : le sang sur la neige annonçant la conception et la mort de la mère de Blanche Neige, la pomme empoisonnée de la tentation donnée par la marâtre déguisée en vieille femme, l'éveil au désir par le prince charmant qui sort Blanche Neige du coma. Jouant sur la peur, l'abandon dans la forêt, la survie solitaire, la transformation de la reine en sorcière, le danger du culte de la beauté,"Blanche Neige et les 7 nains" est un conte horrifique qui finit bien grâce à l'amour antidote de la méchanceté. Pour Walt Disney, qui a travaillé quatre ans à l'adaptation du conte de Grimm, le thème central du récit demeurera les relations entre la reine jalouse et Blanche Neige, jeune fille pure, incapable de soupçonner les raisons des mauvais sentiments de sa belle-mère à son égard. Mais l'histoire trop courte pour en faire un long-métrage, Disney étoffera le scénario, surtout en développant les personnages des nains à qui il donnera chacun un nom et une personnalité. Disney prendra aussi quelques distances avec le récit original, notamment afin d'étayer l'histoire d'amour entre Blanche Neige et le prince charmant : Il ajoutera une scène préliminaire de rencontre avec le prince avant que Blanche Neige ne plonge dans le sommeil, puis, son réveil se fera par un baiser du prince et non plus en la relevant, décoinçant ainsi la pomme empoisonnée de la gorge de la jeune fille. Disney avait une idée précise de ses personnages comme s'ils étaient réels, ainsi, il voyait Blanche Neige comme une jeune fille de 14 ans et la reine sorcière aurait été inspirée par Joan Crawford, le volet cartoon avec ses gags focalisé sur les scènes avec les nains. Contraste entre l'horreur (la reine, la forêt menaçante) et la douceur (Blanche Neige), le film de Disney va dédramatiser l'enjeu de la survie avec l'insertion de scènes comiques vaudevillesques (les nains), de chansons (Blanche Neige), d'amour (le prince), le transformant ainsi en conte universel. Sur Disney Cinémagic (113) et Disney Cinémagic HD (194) vendredi 12 mars à 20h30Sur Disney Cinémagic HD (194) vendredi 19 mars à 20H30.
Blanche Neige et les 7 nains - En blanc, rouge et noir
On le crédite souvent d'être le premier dessin animé long-métrage du monde, en réalité c'est le premier à être sonore et en couleurs, trois autres l'ayant précédé. "Blanche Neige et les 7 nains", création de Walt Disney réalisé en 1937, est adapté d'un conte des frères Grimm paru en 1812, lui-même inspiré d'un mythe germanique. Une reine qui se désolait de ne pas avoir d'enfant, meurt en accouchant d'une petite fille au teint blanc, aux cheveux noirs et lèvres rouges, comme elle l'avait souhaité un jour en cousant et se piquant le doigt avec une aiguille, le rouge du sang coulant sur la neige. Le roi se remarie avec une femme coquette et narcissique qui interroge tous les jours son miroir pour vérifier qu'elle est la plus belle du royaume. Un matin que le miroir répond que c'est Blanche Neige la plus belle, la marâtre, furieuse, demande à un chasseur de tuer sa belle-fille dans la forêt mais ce dernier se contente de l'abandonner dans les bois. Blanche neige y trouvera refuge dans la maison des 7 nains qui l'engageront comme servante. Conte initiatique mettant en scène les étapes douloureuses du passage de l'adolescence à l'âge adulte, "Blanche Neige et les 7 nains" peut amener à des quantités de lectures. Jalousée par l'épouse de son père qui voit en elle une rivale à éliminer, recueillie par les 7 nains, hommes minuscules et asexués, en échange de tâches ménagères, ressuscitée par l'amour du prince charmant, la survie de Blanche Neige dépend des hommes. Ce qui n'a pas échappé aux féministes qui considèrent le mythe du prince charmant comme aliénant pour les adolescentes. Conte cruel, comme l'étaient souvent les contes de Grimm, "Blanche Neige et les 7 nains" est truffé de symboles sexuels et de références à la mort : le sang sur la neige annonçant la conception et la mort de la mère de Blanche Neige, la pomme empoisonnée de la tentation donnée par la marâtre déguisée en vieille femme, l'éveil au désir par le prince charmant qui sort Blanche Neige du coma. Jouant sur la peur, l'abandon dans la forêt, la survie solitaire, la transformation de la reine en sorcière, le danger du culte de la beauté,"Blanche Neige et les 7 nains" est un conte horrifique qui finit bien grâce à l'amour antidote de la méchanceté. Pour Walt Disney, qui a travaillé quatre ans à l'adaptation du conte de Grimm, le thème central du récit demeurera les relations entre la reine jalouse et Blanche Neige, jeune fille pure, incapable de soupçonner les raisons des mauvais sentiments de sa belle-mère à son égard. Mais l'histoire trop courte pour en faire un long-métrage, Disney étoffera le scénario, surtout en développant les personnages des nains à qui il donnera chacun un nom et une personnalité. Disney prendra aussi quelques distances avec le récit original, notamment afin d'étayer l'histoire d'amour entre Blanche Neige et le prince charmant : Il ajoutera une scène préliminaire de rencontre avec le prince avant que Blanche Neige ne plonge dans le sommeil, puis, son réveil se fera par un baiser du prince et non plus en la relevant, décoinçant ainsi la pomme empoisonnée de la gorge de la jeune fille. Disney avait une idée précise de ses personnages comme s'ils étaient réels, ainsi, il voyait Blanche Neige comme une jeune fille de 14 ans et la reine sorcière aurait été inspirée par Joan Crawford, le volet cartoon avec ses gags focalisé sur les scènes avec les nains. Contraste entre l'horreur (la reine, la forêt menaçante) et la douceur (Blanche Neige), le film de Disney va dédramatiser l'enjeu de la survie avec l'insertion de scènes comiques vaudevillesques (les nains), de chansons (Blanche Neige), d'amour (le prince), le transformant ainsi en conte universel. Sur Disney Cinémagic (113) et Disney Cinémagic HD (194) vendredi 12 mars à 20h30Sur Disney Cinémagic HD (194) vendredi 19 mars à 20H30.
